Hubo un tiempo en el que los artistas querían quemar los museos. Poseídos por una furia implacable, los jóvenes vanguardistas encontraban en las llamas la solución definitiva a su combate contra la tradición.

Por aquellos días preguntaron a Jean Cocteau que salvaría de un hipotético incendio del Museo del Louvre y el contestó impasible: «el fuego». Para Cocteau, como para tantos otros, el fuego purificador liberaría al mundo del peso de una cultura asfixiante. Poco después, dos guerras mundiales se encargaron de extender el fuego por el mundo, demostrando que entre las cenizas latía un rescoldo de miseria aún más pesado. Los muertos aplacaron la fiebre iconoclasta del arte contemporáneo y arrastraron tras ella cualquier atisbo de esperanza.

Pero, todo esto ya es historia. Una historia que volvió a mi cabeza cuando descubrí el trabajo del diseñador holandés Maarten Baas, reconocido ahora por la prestigiosa Design Miami con el premio al mejor diseñador del año (Designer of the Year Award). El jurado considera que Bass "ha cambiado el curso de la historia del diseño y la manera en que los coleccionistas entienden el panorama de la creación contemporánea".
Baas se ha hecho mundialmente famoso gracias a Smoke, una serie formada por piezas tan emblemáticas en la historia del diseño como la silla Hill House de Mackintosh, la estantería Carlton de Sottsass, la silla Roja y Azul de Rietveld o la Calvet de Gaudí, convenientemente quemadas con un soplete y posteriormente barnizarlas con resina exposi para evitar que se desmoronen.

A primera vista, podría confundirse a Bass con uno de aquellos pirómanos vanguardistas. Sin embargo, su intención es bien distinta. Sus muebles chamuscados se muestran en el Victoria & Albert, en el Stedelijk Museum de Amsterdam y en las casas de coleccionistas pijos de medio mundo. El fuego cosmético de su soplete nunca podrá compararse con el que reclamaban esos jóvenes airados que querían cambiar el mundo con un botella de gasolina.

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A veces las camisetas cuentan cosas más interesantes que los libros. Es el caso de esta de GRANDBURO, design tshirt virtu, tan sencilla, tan directa...

La ví en Sección Aurea.

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Foro Alfa es un sitio que se autodefine como un medio para la reflexión y la polémica alrededor del diseño. Cuenta con una colección de artículos más que respetable, en la que se analiza, desde diferentes puntos de vista, el papel del diseño hoy. Además, está abierto a la participación de sus lectores, lo que siempre es de agradecer.

Esta semana en Foro Alfa, André Ricard, un clásico del diseño español (que por cierto cada día se parece más a Raymond Loewy), reflexiona acerca de “El diseño en la sociedad del espectáculo”.

Ricard considera que “El diseño debe modificar su imagen frívola y lúdica, por la de una disciplina útil al desarrollo y al progreso”. Se trata de planteamientos no exentos de una cierta nostalgia de los viejos buenos tiempos del diseño moderno, que podrían discutirse y matizarse bastante.

Soy de los que piensan que el capitalismo rampante, tiende a confundir diseño con maquillaje. Sin embargo, también pienso que ningún tiempo pasado fue mejor, y que la Modernidad ha contado siempre con un reverso tenebroso que, no solo desde el punto de vista estético, se evidencia casi desde su origen.

Es cierto que nuestra sociedad favorece un tipo de conocimiento fragametado y en superficie, que en el diseño, como el cualquier otro campo de la comunicación, suele reflejarse en forma de efectismo. Sin embargo, también aporta aspectos positivos. De hecho, nunca antes los usuarios y los consumidores han sido tan capaces de interpretar los mensajes, de cualquier tipo, que les llegan. Nunca antes han tenido una visión tan crítica respecto de ellos y nunca antes han asumido un protagonismo tan grande como ahora.

En cualquier caso, y sea cual sea el punto de vista sobre el tema, la lectura del artículo de Ricard es muy recomendable. Además, de una buena ocasión para dar una vuelta por Foro Alfa y revisar sus Artículos.

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Aquí os dejo otra colección de proyectos de fin de curso. En este caso se trata de los que han realizado los alumnos de Product Design de Central St. Martins en Londres. En la web de la Escuela se pueden ver también trabajos de muchas otras disciplinas.

Tampoco están nada mal las propuestas de sus compañeros del London College of Communiations. Igual que el caso de Central St. Martins, la web de la Universidad dedica bastante espacio a mostrar los trabajos de los alumnos, que además son estupendos.

Parece evidente que dar protagonismo a los alumnos y sus proyectos, además de resultar pedagógico, es la mejor estrategía de marketing posible para aquellas universidades que quieren captar nuevos estudiantes.

Los trabajos de los alumnos son la mejor tarjeta de presentación, de una universidad. Aportan la transparencia que hoy reclaman los consumidores a cualquier marca. En estos tiempos de globalización y spaguetti boloñesa, los discursos del rector, las conferencias en los cursos de verano y los spot en la tele, empiezan a contar menos que la posibilidad de ver estos proyectos en Flickr.

La universidad española todavía no parece consciente de esto. Muy al contrario, demasiadas veces parece enrocada en aquella frase (tan española...) de un ilustrísimo rector de Salamanca: ¡¡¡Qué inventen ellos!!!

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En estos días, estudiantes de universidades de medio mundo presentan sus trabajos y proyectos de fin de curso. Son días de nervios, en los que todo el mundo anda de cabeza y en los que, de vez en cuando, hay agradables descubrimientos.

A mi, este año me han llegado varias muestras de trabajos vía RSS. Entre ellas destacaría las propuestas de los alumnos de Media&Interaction Design de la ECAL (Ecole Cantonale d’Art de Lausanne) en Suiza. Su Showreel es un derroche de ideas.

Lo vi en Today and Tomorrow.

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Las marcas parecen empeñadas en convertirnos a todos en diseñadores. Quieren que los consumidores se relacionen con ellas de un modo más flexible y participativo y han encontrado en la creatividad la mejor herramienta para conseguirlo. Es el caso de iniciativas como la desarrollada por Coca-Cola UK el invierno pasado, en la que mediante una sencilla herramienta on line, nos permitía diseñar uno de sus carteles. Poco antes, Pepsi había invitado a los visitantes de su web a diseñar su nuevo envase.

Otras marcas han lanzado iniciativas similares. Es el caso de 1 / 1, la última campaña de Nike, que nos invita a crear obras de arte inspiradas en el universo del fútbol. A través del sitio Nike 1/1 pueden presentarse pinturas, ilustraciones, fotografías, graffiti, vídeos, instalaciones, interactivos...

De entre los trabajos presentados SHOWstudio y 1 / 1 Associates seleccionarán 11 finalistas, que serán expuestos en la Basel Art Fair. El mejor de todos será inmortalizado en una edición limitada de las míticas Nike Dunk.

También Converse te permite diseñar tus propias zapatillas mediante el programa Converse One. Las propuestas más interesantes son mostradas en una colorida galería. En España, las mejores propuestas pueden ser seleccionadas para crear una edición limitada para el mercado español.

Muy parecida es la propuesta de Dr. Martens que mediante una aplicación on line permite diseñar un par de sus clásicas botas. Las propuestas más votadas por los usuarios son fabricadas cada año por Dr. Martens y pueden comprarse directamente en su web.

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Desde el 27 de marzo hasta el 18 de mayo puede visitarse en la Biblioteca Nacional la exposición Imagen en el verso. Se trata de una muestra que a través de un centenar de acrósticos, laberintos, romances mudos, caligramas y collages analiza las relaciones entre la imagen plástica y el poema, especialmente cuando la poesía es en sí misma imagen.

La exposición se articula en torno a tres períodos: Del artificio Barroco al ingenio del siglo XIX; Las Vanguardias y los nuevos lenguajes artísticos y La posguerra, signos y formas en libertad.


En la primera sección, sin duda la más curiosa, destacan los acrósticos, que van desde la simple composición de frases o de nombres a manifestaciones mucho más complejas y enrevesadas, como la colocación de los versos en forma de cascada, sol o bandera. A los acrósticos se suman en el barroco, los laberintos, que solo podían leerse siguiendo los movimientos de las piezas del ajedrez u operaciones aritméticas.

Ya en el siglo XIX, la artificiosidad del barroco, da paso, sobre todo en las revistas, a la renovación que aportan las vanguardias y que, a partir del impulso de Huidrobo, se centran en el uso del caligrama como representación visual del contenido mismo de los versos.

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