Gracias a Perros Callejeros, descubro The Subconscious Art of Graffiti Removal (2002) un falso documental de Matt McCormick que, con bastante ironía, reflexiona acerca del valor estético de las manchas con las que suelen taparse los graffitis.
En la película, una solemne Miranda July, narra como estas manchas constituyen “uno de los movimientos artísticos más interesantes e importantes del s. XXI”. La idea se argumenta a través de referencias al constructivismo ruso, el minimalismo y el expresionismo abstracto. Incluso se clasifican los métodos empleados por los trabajadores de limpieza para eliminar los graffitis, como diferentes lenguajes derivados de su creatividad subconciente.
The Subconscious Art of Graffiti Removal nos ayuda a repensar cuestiones como la obsesiva persecución al graffiti por parte de las autoridades o la intencionalidad del arte. Pero sobre todo, su retórica evoca las cháchara autocomplaciente que tanto abunda en el mundo del arte contemporáneo.
The Subconscious Art of Graffiti Removal fue premiada en el San Francisco International Film Festival y se proyectó en los festivales de Sundance y Nantucket.
www.rodeofilmco.com.
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Mini Israel es un parque temático situado a medio camino entre Tel Aviv y Jerusalén. En él, 350 maquetas a escala 1:25 recrean algunos de los principales edificios y monumentos israelíes.
Como no podía ser de otro modo, Mini Israel cuenta con sofisticados sistemas de iluminación, movimiento y sonido. Gracias a ellos, por ejemplo, en la réplica del Teddy Stadium de Jerusalén, cientos de muñecos hacen la ola en sus diminutas gradas. Más de 25.000 árboles enanos recrean el paisaje de la zona y 30.000 pequeñas figuras recorren sus calles.
En realidad, Mini Israel no es muy diferente de cualquier gran belén navideño. Una recreación plácida y fervorosa de la Tierra Prometida. Un mundo perfecto, sin muros de hormigón, ni puestos de control. Sin terroristas suicidas. Sin ansiedad. Sin miedo.Vía Chopped Liver.
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Los trabajadores de la Sección Sindical de Pirelli de la fábrica de Manresa han realizado un calendario alternativo al que acaba de presentar la multinacional. En él, las fotografías correspondientes a cada mes muestran la situación en la podrían verse los trabajadores de Pirelli durante el año 2010. Con bastante ironía, las imágenes retratan a un trabajador desde que es despedido hasta que ingresa en el Centro Penitenciario de Lledoners, tras pasar por la oficina del paro, las ETT's o el consumo de vino de tetra-brik en el banco de un parque público...
Los trabajadores de Pirelli, que durante este año han sufrido dos expedientes de regulación de empleo, critican que la multinacional se gaste una fortuna en fotografiar pibones en Brasil (20 millones de euros según la CGT, 3,5 millones según otras fuentes) mientras cierra fábricas como la de Manresa y traslada la producción a países con menores costes y garantías laborales.
Podéis descargaros el calendario en la web de la CGT. Lo leí en Público.
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La semana pasada The New York Times publicó un artículo sobre Counterinsurgency 101, el falso pueblo afghano construido por el ejercito norteamericano en el campo de entrenamiento de Fort Polk, en Lousiana. En este curioso lugar, las tropas se entrenan patrullando por decorados construidos por escenógrafos profesionales y luchando contra actores disfrazados de insurgentes.
Al margen de los propios soldados, en cada programa de entrenamiento intervienen más de 2.000 personas. Guionistas, expertos en logística, pirotécnicos y actores, contratados entre los civiles desempleados de la zona y entre la comunidad de inmigrantes afganos, forman el staff de Counterinsurgency 101. De hecho, muchos de los falsos afganos, son en realidad auténticos afganos.
Pese a lo curioso de sus instalaciones, Counterinsurgency 101 no es el primer campo de entrenamiento de este tipo. Hace algún tiempo, los fotógrafos Olivier Chanarin y Adam Broomber retrataron en un libro las tristes calles Chicago, un falso pueblo palestino construido por las autoridades israelíes en el desierto del Néguev. También el ejército británico tienen su propio pueblo afgano, equipado con un interesante mercado local repleto de frutas de plástico y cuya construcción costó más de 14 millones de libras.Lo contaba en corto Alpoma y en largo Boiteaoutils.
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Contemporary Beauty Ideal es la última campaña de Ogilvy para ANAD, una ong dedicada a la prevención de la anorexia y la bulimia. Básicamente, la campaña consiste en la colocación en museos de réplicas de obras de Manet, Ingres y Boucher en las que las modelos originales han sido sustituidas por otras anoréxicas. Los cuadros, francamente mal pintados, están acompañados por el siguiente texto:
“Los ideales de belleza cambian. Los medios de comunicación, las empresas de cosmética y la industria de la moda dictan unas medidas del cuerpo que son incompatibles con una alimentación saludable. Los trastornos alimenticios como la anorexia o la bulimia se han convertido en una tendencia. Ayúdanos a la prevención y la educación”Contemporary Beauty Ideal se enmarca dentro de la política de Responsabilidad Social Corporativa de la agencia. Ogilvy realiza desde hace tiempo campañas "pro bono" para organizaciones como WWF, Cruz Roja o Greenpeace. Según señalan en su web, desde su punto de vista estas campañas son una contribución mucho más valiosa y eficaz que cualquier donación en efectivo. Hasta aquí todo resulta tan politicamente correcto como aburrido.
La cosa se vuelve mucho más amena cuando, revisando los trabajos que aparecen en su web, recuperamos campañas tan memorables como Fashion Show, realizada por Ogilvy & Mather Argentina para Sprite. En ella, un bizarro: "They're all hot from afar" ( "De lejos todas estan buenas") sirve de lema a una escena no demasiado sensible hacía los trastornos alimenticios, pero al menos, divertida y sincera.
Vía Advertolog.
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Seguimos con las miserias y grandezas de mi querido Photoshop. Vía Escalopín, descubro el trabajo de Agan Harahap (aka Toyib) fotógrafo indonesio, autor de Super Hero, una serie de imágenes que nos muestra a nuestros superhéroes favoritos ligeramente descontextualizados.
Ver a Batman escoltando a un jovencísimo Fidel Castro o a Darth Vader junto a Churchill, Roosvelt y Stalin en Yalta, demuestra que el retoque fotográfico, como tantas cosas, es antes que nada una cuestión de inteligencia y sensibilidad... Con o sin advertencias, estos superhéroes en blanco y negro nos muestran una versión de la realidad tan falsa como la que cuentan los libros de Historia, pero mucho más estimulante y divertida.
Aquí os dejo el blog de Agan Harahap. 2 Comentarios
En plena polémica sobre el uso y abuso de Photoshop, resulta recomendable echar un vistazo a Photoshop Disasters, el blog que puso en circulación el escalofriante anuncio de Ralph Laurent que muestra a la modelo Filippa Hamilton retocada con las proporciones de una Bratz.Los archivos de Photoshop Disasters están repletos de figuras con tres brazos, modelos sin ombligo y aberraciones similares. Imágenes que, independientemente de posicionamientos éticos en torno a la necesidad o no de regular el retoque de imágenes, evidencian que alguien debería explicar como usar el maldito tampón de clonar...
Lo leí en Estética y Dirección de Arte.
Etiquetas: fake, iconoclasia, iconoclastas, imagen, Photoshop, Photoshop Disasters, publicidad
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Vivimos en el capitalismo de ficción. Un sistema que frente al capitalismo clásico, obsesionado con la producción y al capitalismo de consumo, no aspira a la producción de bienes y mercancías sino a seducirnos a través de la producción de ficciones, la construcción de intangibles y la simulación.
Sin duda, en tan alta aspiración, pocos sectores muestran tanto entusiasmo como la industria publicitaria, especializada en convertir nuestros deseos en calderilla. La publicidad, nueva fábrica de sueños, se reinventa cada día a través de la producción indiscriminada de realidad. Bueno, o de algo parecido.
Desde ese punto de vista, pocas iniciativas resultan tan irreprochables como El Aprendiz, nuevo reality de la Sexta. Un programa en el que Lluis Bassat pastorea un puñado de corderos disfrazados con pieles de lobo, que prometen devorarse vivos a cambio de un puesto de trabajo. Suena sórdido y lo es... Yo, puesto a elegir ficciones, casi prefiero a Belén Esteban...
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Una de las más pintorescas es la que creía encontrar la clave de los atentados en los billetes de 20 $. Una curiosidad (o más bien una paranoia...), que derivó en la aparición de una nueva papiroflexia conspirativa. Podéis iniciaros en esta disciplina aquí.
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Edward Sheriff Curtis fue un fotógrafo y etnógrafo que durante más de 30 años se dedicó a documentar la cultura de los indios norteamericanos.
Cuando a finales del XIX el gobierno norteamericano recluyó a los indios superviviente en reservas, Curtis inicio el que sería el proyecto de su vida: The North American Indian, una monumental obra de 20 volúmenes formada por miles de textos, entrevistas y fotografías que registran la vida de unas cien tribus indígenas: desde los esquimales de Alaska a los Hopi de Nuevo México.
Desde el punto de vista comercial, la obra fue un completo fracaso. En los 30 años que duró el proyecto, apenas se vendieron 200 ejemplares. De modo que, en 1930 tras la publicación del último tomo, The North American Indian cayó en el olvido y los negativos de Curtis quedaron abandonados en un almacén durante más de 40 años.
Curtis murió arruinado en 1952. Casi veinte años después, en 1971, The North American Indian fue rescatado por la Pierpont Morgan Library. Los antropólogos de la época, encontraron las imágenes de Curtis esteticistas y carentes de rigor científico. Aquellas extrañas fotografías mostraban una realidad inventada, llena de disfraces y trampas, que reforzaba una visión de la cultura indígena basada en estereotipos eurocéntristas.
Es cierto que las escenificaciones de Curtis respondían más a la construcción de una ficción, que al trabajo de un científico. En sus años con los indios, Curtis no dudó en convencer a sus modelos para que se fotografiaran vestidos con las ropas de sus antepasados, eliminando de la escena cualquier referencia moderna y llegando incluso a retocar sus negativos.
Sin embargo, a pesar de ello, sus imágenes son quizás el testimonio más rico que existe de una cultura sistemáticamente ignorada. Un trabajo que nos cuestiona acerca de si es posile interpretar la realidad de manera objetiva o si, como Curtis, cada uno construimos la nuestra.
Lo ví en el turbador blog de E-l-i-s-e.
Etiquetas: cultura indigena, Edward Sheriff Curtis, fake, foto
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La noche del 4 de noviembre de 2008 miles de personas se lanzaron a la calle para celebrar la elección del primer presidente negro de la historia de Estados Unidos. Muchos de ellos lucían camisetas, chapas y gorras con la imagen que, casi un año antes, Obey había lanzado al mundo para apoyar la campaña del candidato Obama. HOPE, el retrato tricolor y vagamente vintage del flamante presidente, hacía tiempo que se había convertido en un icono repetido hasta la extenuación.
Desde el primer momento HOPE parecía destinado a convertirse en el emblema no oficial de la campaña de Obama. La imagen, de indudable impacto visual, había prendido con tanta fuerza, que a nadie le extrañó la proliferación de cientos de parodias más o menos divertidas del retrato original. El propio Sheppard Fairey recogió en su web una selección de más de 150 versiones que incluyen a personajes como Benedicto XVI, Sarah Palin, Luke Skywalker, Bowie, Winnie the Pooh o Groucho y Harpo Marx. En España, Zapatero y Chiquito de la Calzada también contaron con bonitos retratos estilo HOPE.
No tardaron demasiado en aparecer sitios como Obamicon.me y Obamify que permitían, sin más que hacer un par de clicks, convertir cualquier fotografía en un retrato “OBEY style”. En aquellos días, era frencuente encontrar en Facebook y Twitter perfiles de usuario con este tipo de imágenes. Sin embargo, poco a poco, la campaña electoral USA comenzó a quedar atrás y el chiste dejó de tener gracia...
Todo esto ocurrió hace meses. De hecho, nadie hablaría nuevamente de ello si no fuera porque Movistar ha decidido desempolvar el viejo HOPE para su campaña de verano 2009. Como los tenderos tramposos que tratan de colar mercancías caducadas entre los productos frescos, los creativos de Movistar intentan colarnos una campaña pasada de fecha, convirtiendo el “Yes Weekend”, uno de los chistes más sobados de Internet, en centro de su campaña.
No es la primera vez que la publicidad de Telefónica y Movistar encuentra en Internet inspiración para campañas más o menos cercanas al plagio. Sin embargo, nunca antes el resultado había sido tan ramplón. No obstante, es más que probable que donde no alcancen las ideas, alcance el dinero y que a fuerza de comprar páginas en prensa y spots en las televisiones, la campaña termine calando... A buen seguro, los medios, tan necesitados de publicidad bien pagada, lo agradeceran.
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Francis Bacon vivió y trabajó en el 7 de Reece Mews en Londres, desde 1961 hasta su muerte en 1992. Allí se levanta un edificio de aspecto vagamente industrial, adosado en mitad de una hilera de casas semejantes a él. Es una construcción pequeña y anodina que pasa desapercibida en el paisaje londinense.Al acceder a su interior, una empinada escalera de madera nos conduce hasta una puerta entreabierta completamente embadurnada de pintura. Tras ella, nos aguarda una habitación sumida en el desorden absoluto. Cientos de pinceles y tubos de pintura pisoteados, recortes de periódicos, fotografías arrugadas, latas, botellas vacías de vino, champán y trementina, sprays, ropa hecha jirones, un sinnúmero de rodillos esponjas y toda clase de basura, se amontonan en esta habitación imposible.
El propio Bacon dijo de este espacio, "Me siento en casa entre este caos, porque el caos me sugiere imágenes". De hecho, aunque en ocasiones buscaba espacios más amplios para trabajar, siempre regresaba a su abigarrado santuario.
Tras la muerte de Bacon, John Edwards, su único heredero, donó todo el contenido del taller de Reece Mews a la Hugh Lane Gallery de Dublín. Durante más de tres años un equipo de 10 arqueólogos y conservadores tomó nota de la posición exacta de cada objeto, lo trasladó a Dublín y lo reconstruyó conservando cada uno de los detalles del caos original. La parte más compleja del proceso, consistió en trasladar las paredes sobre las que el pintor mezclaba la pintura directamente.
Más de 7000 objetos fueron catalogados en una base de datos especialmente diseñada para la ocasión. En ella hay clasificados 570 libros y catálogos, 1500 fotografías, 100 lienzos, 1300 hojas arrancadas de libros, 2000 restos de material y herramientas de pintura y 70 dibujos. Otras categorías incluyen fragmentos de la correspondencia del artista, revistas y períodicos viejos y algunos discos de vinilo.Etiquetas: arte, fake, Francis Bacon, inferno, paradiso, pintura
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La nueva campaña de la agencia DDB para el VW Polo BlueMotion consiste en una serie de carteles basados en la obra de René Magritte y Salvador Dalí. En concreto, reinterpretan algunos de los elementos más conocidos de obras como “El hijo del hombre” de Magritte o “La Persistencia de la Memoria” de Dalí.Los creativos de DDB no han sido demasiado originales. De hecho, esta es la enésima incursión publicitaria en la obra de los surrealistas y muy especialmente en la de Magritte, profusamente explotada en todo tipo de anuncios. Se trata de una presencia recurrente que ha sido estudiada en profundidad en libros como "Ceci n'est pas un Magritte (Essai sur Magritte et la publicité)" de George Roque, en el que se analiza la utilización de los recursos lingüísticos de Magritte en la comunicación persuasiva.
También Marta Mensa, del Departamento de Comunicación Audiovisual y Publicidad de la Universitat Autònoma de Barcelona trató este tema en su tesis "L'altra cara de René Magritte, el Publicista”. En ella analiza la “publicidad magrittiana” a través de más de 6000 anuncios publicados en el suplemento dominical del diario El País entre los años 1995 y 2005.
La vinculación de Magritte con la publicidad es muy profunda. A pesar de que la detestaba, el propio Magritte ejerció como creativo publicitario durante toda su vida. En 1918, con apenas 20 años, creó su primer cartel, un anuncio de sopas Derbaix y continúo aceptando encargos publicitarios hasta los años sesenta. Su último trabajo lo realizó para SABENA en 1966, tan solo unos meses antes de morir. Además entre 1931 y 1936 trabajó con su hermano Paul en la agencia Studio Dongo, situada en el patio trasero de su casa.Imagino que la predilección de los publicistas por Magritte (casi podríamos hablar de obsesión) está relacionada con la fuerte iconicidad de su obra y con su carácter narrativo. Su vocabulario formal y simbólico (como el de muchos otros surrealistas) favorece una lectura rica y polisémica, pero sencilla. Frente al carácter críptico de buena parte del arte contemporáneo, la obra de los surrealistas es fácil de interpretar.
En el caso de Magritte, además, el impacto que producen en nosotros sus cortocicuitos visuales, hacen que sus imágenes se fijen a fuego en nuestra memoria. Algo a lo que, en nuestra querida economía de la atención, ningun creativo publicitario puede resistirse.
Etiquetas: arte, fake, publicidad
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Hustler, la compañía del polémico Larry Flint, ha finalizado el rodaje de Who’s Nailin’ Paylin?, una peli porno que promete calentar aun más el final de campaña de las elecciones presidenciales USA. (… Lo siento. No he podido evitar hacer el chiste malo…)
Como no podía ser de otro modo, el argumento (¿?) es bastante absurdo. El film narra lo que ocurre cuando dos fornidos tanquistas rusos que se han quedado si gasolina, llaman buscando ayuda a la puerta de Mrs. Paylin. También muestra el momento en el que un profesor explica a una joven Payling, 100% creacionista, la teoría del Big Bang. Parece que también incluye escenas lésbicas entre Payling y una dobles, no demasiado parecidas, de Hillary Clinton y Condoleeza Rice.
La protagonista, Lisa Ann, es una de las actrices porno más importante de la escena MILF. Parece que accedió al papel a través de un anuncio de prensa en el que se buscaban dobles de Sarah Palin.
El primer episodio ya está disponible en Internet.
Etiquetas: bizarro, Comunicación política, Elecciones USA 2008, fake, inferno, Sarah Palin, videocracia
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Little Angel ante el mural de Haring
El pasado mes de mayo Keith Haring habría cumplido medio siglo. Para conmemorar este aniversario, la Keith Haring Foundation diseño un programa de actividades en el que destacaba la reproducción del mural pintado por Haring en Houston Street, en el verano de 1982. En Muack hablamos de ello.El mural se pintó, meticulosamente en el mismo lugar en el que originalmente lo hizo Haring. De hecho, para garantizar la exactitud de la reproducción, además de la recopilación de fotografías de la época, se tomaron muestras por raspado de las capas de pintura originales. En total, la reproducción costó unos 3000 $ y se invirtieron en hacerla diez días de trabajo.
antes...
Ahora, Ángel Ortiz, también conocido como “Little Angel” o “LA II”, antiguo colaborador y amigo de Haring, ha intervenido sobre esta reproducción, rellenando todos los espacios vacíos del mural.En los 80, Ortiz colaboró estrechamente con Haring. Ambos se conocieron pintando en la calle y muy pronto se estableció entre ellos una fructifera complicidad creativa. Con el tiempo, Haring se convirtió en una estrella y Little Angel, NO. En aquellos años, Ortiz colaboró en muchos de los proyectos de Haring.
Tras la muerte de Haring en 1990, la carrera artística y vital de Ortiz se dislocó. Se enganchó a la heroína y pasó varias veces por la cárcel.
... y después.
Little Angel justifica su intervención sobre el mural como un homenaje a la memoria de su amigo, además de un modo de reivindicar su aportación a la obra de Haring, de cuyos créditos y beneficios nunca ha participado.Julia Gruen, directora de la Keith Haring Foundation, considera que la intervención de Ortiz es “respetuosa” con el espirítu de la obra de Haring, aunque sostiene que "Ortiz ya fue compensado por el trabajo que hizo con Keith Haring cuando este estaba vivo"
Ante esta bonita mezcla de afectos e intereses, lo único seguro es que Haring habría disfrutado con la intervención de Little Angel. También parece probable que alucinara al ver a alguien raspar una pared buscando sus pinturas como si fueran policromías romanas...
Etiquetas: arte, fake, iconoclasia, iconoclastas, memoria
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Una de las camisetas falsas de Hirst
Damien Hirst, el artista vivo mejor pagado del mundo, el líder indiscutido de los Young British Artist, el hombre que se hizo millonario vendiendo vísceras flotando en formol y al que muchos consideran el mayor timador del mundo… ha sido victima de un bonito timo.
Todo empezó cuando Hirst compró a Simon Easton, colaborador durante años de Malcom McLaren, un montón de bolsas repletas de lo que creía que eran ropas originales diseñadas por McLaren y Vivienne Westwood en los 70’s para Sex & Seditionaries, su legendaria tienda del 430 King's Road. Hirst pagó 100.000 euros por el lote.
Cuando McLaren acudió a la mansión de Hirst para examinar su compra, descubrió que las ropas eran falsas.
McLaren dijo: "No eran las telas que usamos hace 35 años, y la costura era totalmente diferente. Además había bolsas y bolsas de ropa y nosotros nunca fabricamos tanto. Hacíamos esas ropas en la cocina de mi casa. Cada pieza era única”.
Hirst ha emprendido acciones legales contra Easton, que por su parte afirma: "Absolutamente todo lo que mis clientes han adquirido es auténtico. McLaren no participó en el diseño y ni en la fabricación de estas ropas. Intenta reescribir la historia, pero sabe menos acerca de ellas que cualquier coleccionista".
Personalmente no pagaría un solo euro por ninguna de las piezas de Hirst, pero lo habría hecho con gusto por ver su cara cuando McLaren le dijo que había sido timado :-DDDD
Damien Hirst
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Confirmado: la última estrategia de las marcas pijas para imponerse en el mercado consiste en imitar a sus imitadores. Es la única explicación que encuentro para la nueva línea de productos que Murakami ha diseñado para Vuitton.En cualquier mercadillo de barrio, abundan billeteras y bolsos "camo pattern", igualitos a estos "Monogramouflage" que ahora presenta LV.
¿Qué será lo siguiente? ¿Colecciones de flores de plástico con falsas gotas de rocio?... Ahhhhhhhg, ¡Que asco de capitalismo!Me enteré por Nitrolicious.
Si os interesa la bonita relación entre Murakami y Vuitton, aquí os dejo un par de post sobre el tema:
© MURAKAMI / + Vuitton (ahora con mantas)
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Acaban de colgar en Youtube el vídeo oficial de The Cans Festival, el evento organizado por Banksy, que congregó el pasado mayo a lo más florido del stencil internacional y a más de 25.000 visitantes. Durante tres días, litros y litros de pintura transformaron un lúgubre túnel abandonado en un inmenso y colorido mural.
Este vídeo es una muestra más de como, a través de acontecimientos como The Cans Festival y sobre todo de Street Art, la exposición de la Tate Modern, el Street Art se ha puesto de moda y se ha plantado en la primera línea mediática.
Parece evidente que cuando un modo de expresión nacido en la calle, más o menos anónimo y más o menos clandestino, es avalado por instituciones como la Tate Modern, se convierte en otra cosa. Se desactiva. De hecho, los bonitos murales de la Tate Modern son custodiados por las mismas cámaras de seguridad que impiden a otros grafiteros intervenir sobre ellos.
La dimensión estética del Street Art tiene menos que ver con lo formal que con su modo de llamar a una cierta forma de resistencia icónica. Lo mejor del Street Art es su capacidad para infiltrarse entre los signos que nos rodean, para aprovechar las fisuras del sistema para extenderse. Nada de eso está en la Tate.
En el caso del stencil esto resulta especialmente evidente. La plantilla de la que nace, solo tiene sentido como soporte de una imagen que se repite una y otra vez. Cuando el stencil trata de convertirse en una imagen única, como hace Banksy, se desnaturaliza. Y aún lo hace más cuando transmite un mensaje efectista, sentimental, estereotipado...
Algo parecido ocurre en relación a los murales que adornan la Tate. Las propias imágenes que muestran y su enorme escala encajan perfectamente en el espectáculo icónico que definió Guy Debord. Así, paradójicamente, formas de expresión que nacieron como una forma de resistencia frente al espectáculo, sirven ahora para retroalimentarlo.
En fin, que parece que ciertas formas de Street Art, comienzan a dar muestras de agotamiento y estetización. Y Banksy es su bandera.
PD: Al margen de Street Art, en el vídeo suena el espléndido Going Underground ... No me resisto a dejaros el original de los Jam. ¡Pura Vida!
Etiquetas: arte, Can Festival, contracultura, exposiciones, fake, guerrilla, iconoclastas, stencil, Tate
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Como en el caso de Evolution, la última publicidad de Dove ha inspirado una campaña viral crítica con la propia compañía. Hace unos meses, Dove, presento “Onslaught/ Avalancha” un anuncio que muestra a una niña victima del despiadado bombardeo publicitario de la industria cosmética. El anuncio, incluido en la campaña “Por la belleza real” lanzaba un mensaje tan directo como inteligente…: “habla con tu hija antes de que lo haga la industria de la belleza”.
El anunció generó bastante polémica, debido a que Dove pertenece a la multinacional Unilever, al igual que marcas como Axe, Rexona, Timotei, Sunsilk y Ponds que nos bombardean, tal como se muestra en “Onslaught”, con publicidad plagada de modelos estereotipados y alejados de la “belleza real”.
Ahora Greenpeace reinterpreta este spot en Dove Onslaught(er), para criticar que los productos Dove utilizan aceite de palma, lo que provoca la deforestación de Indonesia. En el spot de Greenpeace, el lema original se ha sustituido por “Habla con Dove antes de que sea demasiado tarde“…
Lo leí en etc...
El anunció generó bastante polémica, debido a que Dove pertenece a la multinacional Unilever, al igual que marcas como Axe, Rexona, Timotei, Sunsilk y Ponds que nos bombardean, tal como se muestra en “Onslaught”, con publicidad plagada de modelos estereotipados y alejados de la “belleza real”.
Lo leí en etc...
Etiquetas: Dove, fake, publicidad
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Hasta el 26 de mayo la Tate Modern presenta “Duchamp, Man Ray, Picabia. The moment art chaged forever”, enésima revisión de la obra de tres de los artistas que más han influido en nuestro modo de mirar.La exposición es también la ocasión perfecta para que, una vez más, críticos y enterados del mundo entero coloquen su discurso acerca de Duchamp y peregrinen en masa hasta la mítica Fountain, convertida en símbolo de la muestra.
Sin embargo, quienes se acerquen hasta la Tate Modern para contemplarla se encontrarán con una réplica. Como siempre que Duchamp entra en escena, nada es lo que parece.
En realidad, la Fountain original desapareció casi inmediatamente después de su exhibición en 1917. De hecho, parece que una vez cumplió con su finalidad artística pudo ir a parar a un basurero o ser devuelta a su función original (obviamente, urinario).
La réplica de Londres no es la única existente. En 1951, Duchamp realizó la primera reproducción del original perdido, algo tosca y que ahora exhibe el Museo de Arte de Filadelfia. Más tarde, en 1964, movido por la necesidad de dinero, Duchamp autorizó ocho réplicas más, una de las cuales fue comprada por la Tate en el año 2000.¿Es Duchamp el falsificador de sí mismo? ¿Son nueve réplicas de un ready made perdido, la máxima expresión del ready made o una tomadura de pelo? No creo que a Duchamp, todo esto le preocupara demasiado. De hecho, nada, incluido el propio arte, parecía importarle demasiado: "Me parece que soy un agnóstico en arte. Sucede que no creo en él con todos sus accesorios místicos. Como droga es probable que le sirva a algunas personas, pero como religión no es tan bueno como Dios".
Los amantes de la indiferencia duchampiana pueden disfrutar de ella en “Conversaciones con Marcel Duchamp", el libro que recoge sus conversaciones con Pierre Cabanne.
También hablan de ello en Replica 21, un site mexicano muy, muy interesante.
Etiquetas: arte, Duchamp, exposiciones, fake, iconoclasia, iconoclastas, Tate
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