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Ya casi me había acostumbrado a ver las pañoletas palestinas en Zara y H&M. De hecho, apenas recordaba la imagen de Beckham luciendo palestinas de Balenciaga en el vestuarío del Bernabeú. En realidad, mis frecuentes (bueno, tal vez muy frecuentes...) incursiones en el modo multijugador de Call of Duty 4 me habían reconciliado con esta prenda. Allí, la kefia todavía es el atributo de los insurgentes que, kalashnikov en mano, hacemos la vida imposible a las tropas americanas y británicas...

Tal vez por todo eso, cuando el otro día encontré en un escaparate esta mezcla imposible de la kefia con el universo de Hello Kitty, me invadió una profunda tristeza... ¿¿A donde vamos a llegar??... ¿¿Nadie pondrá límite a la voracidad del mercado??... Sniff!!

Solo me consuela saber que Elmer, mi avatar en COD 4, vengará a sangre y fuego esta afrenta en el campo del honor...

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El 1 de enero de 2007 entró en vigor la Lei Cidade Limpa, una medida que prohibe la presencia de publicidad en los espacios publicos de São Paulo con la finalidad de ordenar su paisaje urbano y convertir esta ciudad en “un lugar más agradable y atractivo para sus propios habitantes".

Desde el primer día la ley se impuso de manera implacable, castigando con multas de hasta 4.500 $ diarios a quien quebrantara la norma. El resultado fue que solo en 2007 se eliminaron más de 15.000 vallas y letreros luminosos, desapareciendo también toda la publicidad de taxis, autobuses y pequeños comercios. En aquellos días, Muack dedicó un post a São Paulo No Logo, la serie de fotos que Tony Marco publicó en Flickr, mostrando al mundo los esqueletos vacios de las vallas que habían servido de soporte a una de las iconosferas más densas del planeta.

Como era de esperar, la medida provocó un fuerte debate entre la industria publicitaria brasileña y el alcalde Gilberto Kassab, responsable directo de la medida. Mientras unos se lamentaban por la pérdida de ingresos y puestos de trabajo, el alcalde alegaba que Cidade Limpa había convertido São Paulo en una ciudad más habitable y que la ley era respaldada por el 70 % de la población.

Y así, mientras los publicitarios y los políticos discutían, la ciudad continuó adelante. Tras los carteles florecieron los restos de una ciudad olvidada y hermosa, sepultada durante años bajo toneladas de anuncios. Junto a ella, también emergieron los rincones más oscuros de una ciudad sórdida y brutal.

Sin su máscara de signos, São Paulo se hizo transparente como un fantasma. Quizás por eso, cada día, los muros de esta ciudad espectral amanecen repletos de graffitis y pixaçãos, que los jóvenes paulistas siembran durante la noche.

Me lo contaron Laura y Andre en Estética e imagen.

Etiquetas: iconoclasia, iconoclastas, iconosfera, pixacao, publicidad, Sao Paulo, street art

Nuestras ciudades se han convertido en enormes contenedores de signos, en el escenario en el que millones de imágenes se superponen entralazando sus significados.

Es en la ciudad donde las imágenes que nos rodean experimentan su, cada vez más fugaz, ciclo vital. En ella nacen, se desarrollan compitiendo por captar nuestra atención y finalmente desaparecen de nuestra memoria social, dejando a su paso otras imágenes que surgen a partir de ellas.

Rótulos luminosos, señales, escaparates, carteles, grafittis, pantallas… incluso nuestra propia apariencia física y la iconicidad de nuestros gestos cotidianos, contribuyen a la construcción de la iconosfera urbana. Una superposición de signos y señales en continua transformación, tan densa que, con frecuencia, resulta impracticable.

Este es el universo que retrata Kapitaal, un corto de animación creado por el estudio holandés Smack para el Graphic Design Museum De Beyerd en Breda, que refleja con toda precisión como las imágenes se han convertido en las ventanas desde las que interpretamos la realidad.

También os dejo Graphic City, otra animación creada por la productora japonesa ZWMD, que desde otro punto de vista, nos sitúa ante este universo de signos, ingrávido, transparente y melancólico.


Lo leí en Elástico.

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Aunque hace tiempo que la avalancha de street art, stencils y similares consiguió agotarme, cuando encontré los espléndidos albumes de Dimitri DF en Flickr, no fui capaz de resistirme.

En ellos, se muestran stencils, graffitis, stickers, collages y decollages llenos de espontaneidad, sin excesivos resabios, ni grandes pretensiones. Además, con frecuencia aparecen amontonados y tapándose unos a otros, justo como a mi me gustan.

Arriba, más de 200 imágenes de street art recopiladas en México DF y otras ciudades mexicanas. Abajo, una selección de 120 imagenes recogidas por las calles de toda América Latina entre 2003 y 2007. Hay interesantes fragmentos de muros de Argentina, Bolivia, Brasil, Chile, Ecuador, Guatemala, México, Paraguay, Perú...



Más en DimitriDF.

Etiquetas: arte, Flickr, guerrilla, iconoclasia, iconosfera, stencil

A través de Contraindicaciones (de nuevo a pleno rendimiento) descubro Murales Políticos, un completísimo archivo fotográfico de pintadas y murales del más variado origen e ideología. El proyecto, que destaca por su independencia y pluralidad, está abierto a la colaboración de quien quiera remitir sus imágenes.

Etiquetas: Comunicación política, guerrilla, iconosfera, propaganda

Como cada año, tras la orgía navideña, llegan las rebajas. Sin solución de continuidad, los escaparates pasan, en apenas unas horas, del exceso absoluto a un ascetismo casi místico.

Desde el punto de vista icónico, las rebajas constituyen un curioso paréntesis en la narrativa visual que impone nuestra iconosfera. Solo ellas consiguen detener durante algún tiempo la feroz competición que desarrollan diariamente las imágenes de nuestro entorno para captar nuestra atención. En las rebajas, los escaparates se vacian y, desprovistos de todo, nos sitúan ante un efímero grado cero de la representación.

Los mensajes, que hasta hace unas horas trataban de seducirnos, adquieren un laconismo mustio y tristón. Nada queda ahora de aquellas promesas de belleza y felicidad que todos sabíamos falsas. Ahora solo hay “Rebajas”, “40%”, “60%”, “Todo 50%”... o el aterrador “Últimos días”.

Etiquetas: $$$, hiperconsumo, iconosfera, imagen

Palien $15 / Mickey Mouse Obama $19.95



Fuck the economy $15 / Anti Hillary Rodman Clinton $12.95

Etiquetas: caricatura, Elecciones USA 2008, iconosfera, Obama, Sarah Palin, videocracia

The Get Out Clause son un grupo novel inglés que querían filmar un vídeoclip para promocionar su primer sencillo, Paper. Sin presupuesto para contratar a productoras o equipos de filmación, decidieron emplear un recurso disponible y a mano: las cientos de cámaras de seguridad que llenan las calles de Manchester, su ciudad natal. Gracias a la Ley de Libertad de Información inglesa, que reconoce a cualquier ciudadano el derecho a obtener las grabaciones de estas cámaras si puede demostrar que aparece en la filmación, la banda se situó frente a ochenta cámaras distintas repartidas por toda la localidad, mientras interpretaban el tema.

Alrededor de 20 de las compañías propietarias de las cámaras cumplieron con su obligación legal y les entregaron el metraje que acabó dando forma al clip.

La historia de Get Out Clause es cierta sólo en parte -no todas las imágenes que aparecen en el vídeo proceden de cámaras de vigilancia, y algunas son simulaciones-, pero ha servido para recordar al público que aunque ya no les prestemos atención, esas cámaras están ahí.

En Gran Bretaña, el país orwelliano por excelencia, son ya más de trece millones, y en ciudades "hablan" a los ciudadanos, amonestándoles en directo si los controladores algunas contemplan a través de sus monitores algún acto no permitido.

En el siglo XXI una cámara está dejando de ser sólo una herramienta para contar historias y cada vez más es un instrumento de control.

Probablemente sin saberlo, The Get Out Clause estaban realizando un ejercicio de "cine de circuito cerrado", un movimiento que reúne a cineastas independientes y a artistas que, para de denunciar la creciente omnipresencia de las cámaras de vigilancia, las rescatan para volver a darles su uso original.

...Sigue leyendo aquí.

Publicado por José Luís de Vicente en Think Tank. .

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Los videojuegos son un gran negocio. Actualmente suponen el 40% del total del negocio audiovisual, situándose muy por delante de la industria discográfica y del cine. Pero además, los videojuegos son también una de las manifestaciones más ricas y dinámicas de nuestra cultura visual. Un entorno que cuenta cada vez con mayor influencia cultural.

Para analizar estos aspectos Arteleku ha convocado Contrajuegos, un taller-seminario que analizará como los videojuegos influyen en nuestro modo de ver y entender el mundo.

En el programa (PDF) se explica con detalle cuales serán las líneas de investigación que se abordarán en este seminario. Copio directamente:

“Tres podrían ser los focos a estudiar y que están en relación también con problemas artísticos y sociales: el riesgo, la simulación y la violencia.

El riesgo sería analizado a partir de las teorías del pensador alemán Urlrich Beck y La sociedad del riesgo, que habla de un estado de «irresponsabilidad generalizada».

Por otro lado, las teorías de Baudrillard y su ensayo sobre el triunfo del simulacro, que se superpone a la realidad, suplantándola y reemplazándola.

Por último, Paul Virilio y su análisis del miedo, la violencia y de su producción mediática, que fue analizada en El cibermundo, la política de lo peor o en Arte y miedo.

Con estas líneas conceptuales se construirá un marco teórico de clara aplicación al mundo de los videojuegos, puesto que la simulación de mundos paralelos, donde el riesgo y la violencia están muy presentes, componen uno de sus aspectos decisivos.

Por último, se haría referencia tanto a la necesidad de ensayar nuevas posibilidades –aunque el fracaso esté muy presente–, como a una de las características básicas de todo juego: la repetición y el entrenamiento.”

Entre los ponentes estarán Molleindustria, un equipo de artistas, diseñadores y programadores italianos cuyo trabajo trata de provocar el debate sobre las implicaciones sociales y políticas de los videojuegos. Imprescindibles.

Os dejo algunos links que hablan de estas cosas:

Sobre Molleindustria, este post de Papel Continuo: La Molleindustria, Videojuegos políticos contra la dictadura del entretenimiento.

Sobre videojuegos con conciencia política, este post de la Petite Claudine: Political games: conciencia política online.

Etiquetas: arte, iconosfera, interactivos, interfaces, multimedia, simulacro, videojuegos

Agosto entra en barrena. Con él, terminan las vacaciones, el verano y un poco antes, las Olimpiadas, un acontecimiento que ha reflejado como pocos, la capacidad de la imagen, para convertirse en metáfora del poder.

Los nuevos símbolos de Beijing- el Estadio Olímpico de Herzog & de Meuron, el Watercube de PTW y la sede de la CCTV diseñada por Rem Koolhaas- son el nuevo soporte metafórico de China. Los iconos a través de los que reclama su condición de potencia planetaria orientada hacía el futuro.

Poco importan ahora las expropiaciones de barrios enteros, las detenciones de disidentes y activistas, la contaminación o el control orweliano de la información. Todo queda eclipsado por el brillo del oro olímpico y los fuegos artificiales.

Sobre este tema, ABCD, el brillante suplemento cultural del diario ABC, ha publicado dos interesantes artículos; Las metáforas del poder y Ad Maiorem Gloriam. Arquitectura y política.

El primero, firmado por Juan Miguel Hernández- León, analiza como a lo largo de la historia, el poder se ha valido de la arquitectura para proveerse de símbolos que materializaran su autoridad y lo perpetúan en el tiempo. Una tradición antiquísima, de la que el espectáculo de la China Olímpica sería solo el último capítulo.

En Ad Maiorem Gloriam. Arquitectura y política, Fredy Massad y Alicia Guerrero Yeste analizan como las grandes figuras de la arquitectura contemporánea se han entregado a los delirios del poder de los gobiernos totalitarios, poniendo su capacidad al servicio de su megalomanía.

Si la nueva cara de China es reflejo de su modernización y apertura al mundo o se limita a ser un disfraz pretencioso, es algo que sólo podremos evaluar con el paso del tiempo. Entre tanto, algunos ya esperan ansiosos la llegada de Londres 2012.

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Cerca de cien nuevos negativos del fotógrafo Agusti Centelles (1909-1985) fueron hallados por sus hijos mientras rebuscaban en su laboratorio fotográfico.

El hallazgo se sumará a la colección de más de 9.000 negativos que ya se conocen del fotógrafo, famoso por sus instantáneas de la Guerra Civil Española.

Según cuenta El Periódico de Catalunya, el Museu Nacional D'Art de Cataluña (MNAC) pidió a los hijos del fotógrafo, Sergi y Octavi, fotografías para una exposición sobre Barcelona. Cuando éstos buscaron en el laboratorio de su padre hallaron una caja de galletas que contenía los negativos.


Al parecer, la caja contenía fotografías que Centelles no sabía cómo clasificar. Quedaron en su interior fotografías familiares de antes de la guerra y de los dos años que pasó el fotógrafo en Reus tras su exilio en Francia.

También se hallaron rollos de negativos con edificios bombardeados en Reus y Falset, descartes de otros negativos que no fueron publicados y diversas fotografías clásicas. Algunas muestran el arresto de los Mossos d'Esquadra por parte de la Guardia Civil tras los sucesos del 6 de octubre de 1934.

En el contenido inédito hallado por los hijos del fotógrafo destacan las imágenes de los miembros del Govern de la Generalitat detenidos en la cárcel Modelo de Madrid por los hechos de 1934. Los cinco políticos (Lluís Companys, Joan Comorera, Pere Mestres, Martí Esteve y Ventura Gassol) aparecen sentados en las camas de la cárcel y miran a la cámara de Centelles.

La obra de Centelles se ha mantenido en el tiempo gracias a su esfuerzo por preservar el trabajo de muchos años plasmando la realidad social de un país en guerra. Cuando en 1939 se exilió en Francia, el fotógrafo se llevó consigo 9.000 negativos metidos en una maleta.

Los mantuvo en su poder aún cuando se encontraba en el campo de concentración de Bram (Francia). Cinco años después de exiliarse, Centelles y sus negativos se separaban. El fotógrafo dejaba su maleta a unos granjeros de Carcassonne (Francia), para que cuidaran de un material que, de regresar a España, sería confiscado. Una historia muy parecida a la de la maleta mexicana, repleta de negativos de Robert Capa recientemente recuperada.

Centelles volvió a España por la frontera andorrana para vivir dos años en Reus (1945-47). Fue juzgado y condenado en 1946, pero obtuvo la libertad condicional.

Treinta años después, en 1976, regresó a Francia para recuperar sus fotografías. A partir de entonces dedicó su vida a reordenar su archvio, copiando, ampliando e identificando todas y cada una de las fotografías que había ocultado.

El Ministerio de Cultura reconoció su obra otorgándole en 1984 el Premio Nacional de Fotografía. Centelles murió en Barcelona en diciembre de 1985.

Lo leí en la web de RTVE.

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¿Homofóbico?...¿burdo?... ¿divertido?

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Con motivo del III Foro Social Mundial de las Migraciones, que se celebrará en Rivas Vaciamadrid, durante los días 11, 12 y 13 de septiembre de 2008, la asociación de artistas DUEÑOSDELANADA organiza MUNDIBUJADO, una propuesta de arte postal basada en la intervención creativa sobre el Mapa de Peters. La Proyección de Peters corrige las desproporciones de la Proyección de Mercator, muy falseada y descaradamente "eurocentrista".

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Hasta el 21 de septiembre el Whitney Museum muestra la exposición Starting with the Universe, una retropectiva de la obra de Buckminster Fuller.

Fuller fue inventor, arquitecto, ingeniero, matemático, poeta, cosmólogo, profesor en la Southern Illinois University Carbondale, autor de 28 libros y sobre todo un personaje excéntrico y optimista convencido de la capacidad de la tecnología para transformar el mundo.

A él se debe el desarrollo en 1949 de la cúpula geodésica. Durante su presetación, para probar su resistencia, el propio Fuller y sus estudiantes se colgaron de aquella primera cúpula ante la mirada atónita de las autoridades universitarias. El gobierno estadounidense percibió el interés del invento y en poco tiempo plantó miles de estas cúpulas en instalaciones militares y edificios civiles de todo el mundo.

Fiel a su espíritu visionario, Fuller desarrolló también numerosos proyectos imposibles como Triton City, una enorme ciudad flotante, Cloud Nine, ciudades esféricas que levitan en el cielo o la colosal cúpula acristalada de dos millas de diámetro que protegería el corazón de la isla de Manhattan de los efectos de la intemperie.

En los últimos años de su vida Fuller consiguió bastante notoriedad pública. Sin embargo, eso no evitó que muchos criticaran su ingenuidad y su optimismo irremediable. Sus análisis sociales, tan utópicos como sus proyectos arquitectónicos, chocaron sistematicamente con la realidad. Como cuando en 1959, predijo en Newsweek que gracias a la tecnología, en el año 2000 habría desaparecido el hambre en el mundo.

Algunos de sus alumnos le llamaban Fuckminster Buller.

Lo leí en Efímera.

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La semana pasada se celebró Art Basel , la que muchos consideran la feria de arte contemporáneo más importante del mundo. Su prestigio se debe tanto a su capacidad para convocar a las galerías de relumbrón, como, sobre todo, a la enorme cantidad de dinero que mueve. Cada año, durante una semana, Basilea se llena de jets privados y de coleccionistas con ganas de gastar.

Desde el punto de vista artístico, Art Basel nunca ha destacado por el riesgo de sus propuestas. Fiel al espíritu “Made in Swiss”, el peso de la feria suele recaer en los clásicos del arte moderno y contemporáneo. Este año quienes estuvieron allí hablan de un renovado interés por la escultura, reflejo de un retorno a lo concreto y lo tangible y de la definitiva irrupción de los artistas rusos, chinos y árabes.

Pero, en realidad, el verdadero balance de la feria tiene más que ver con la cuenta de resultados y con la espléndida salud que muestra el mercado del arte en plena crisis económica… Todo un dato, que pide a gritos un análisis político y económico, que yo, simple y tendencioso blogger, no haré.

Además de todo esto, este año en Art Basel pudo visitarse Art of Football, la exposición que muestra los 11 trabajos seleccionados por Nike en 1/1, una campaña a la que me referí hace unos días. Como os comenté entonces, 1/1 invitaba a los artistas del todo el mundo (y también a los no artistas) a enviar pinturas, esculturas, fotografías, instalaciones, vídeos... inspirados en el mundo del fútbol. Puro art-vertising. En total se recibieron más de 1500 propuestas.

Vale la pena revisar estos trabajos, sobre todo, teniendo en cuenta la poca difusión que han tenido. Es curioso como, después de realizar un importante esfuerzo para promocionar 1/1, con campaña de buzz marketing en blogs incluida, Nike no ha cerrado el círculo de su propuesta dando más importancia a la comunicación de los trabajos seleccionados. Imagino que tiene que ver con la desproporción, tan propia del arte contemporáneo, entre prestigio y presencia visual. Es díficil, sacar pecho ante las masas futboleras, mostrando trabajos de arte contemporáneo.

En cualquier caso, se trata de una iniciativa interesante e infinitamente más rica que los horribles futbolistas gigantes de Adidas.

Os dejo fotos de algunos de los trabajos seleccionados. Las he encontrado en UrbanCamou y en 1/1.

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Nike ha decidido dar la bienvenida a los JJ.OO de Beijing con la colosal proyección de algunos de los principales atletas chinos sobre la sede de la CCTV (China Central TV). El edificio, diseñado por Rem Koolhaas, es actualmente el segundo complejo de oficinas más grande del mundo, solo superado por el Pentágono.

Es una obviedad recordar que la CCTV es el altavoz mediático del venerable gobierno chino. No se si será por eso, por la extrañeza que me produce siempre el trabajo de Rem Koolhaas, por la onmipresencia del logo de Nike en un país hasta hace poco carente de logos, por lo desmesurado del conjunto, por pensar que si fuera chino y viviera en China no podría escribir este post o por la mezcla de todo ello, pero lo cierto es que estas imágenes me ponen muy nervioso...

Imagino que, como todos, me tendré que ir familiarizando con el rostro de un futuro que ya ha llegado. Un rostro contradictorio y muy autoritario.

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El Mayo del 68 era hasta hace muy poco un símbolo de entreguismo. El de una generación que soñó con encontrar la playa bajo los adoquines y terminó a bordo de un coche oficial.

Sin embargo, después de que Sarkozy proclamará: “Hay que liquidar Mayo del 68”, en favor de “la cultura del mérito” y de “el respeto a la autoridad del maestro”, las viejas proclamas de los estudiantes franceses, cobran nuevamente actualidad.

Pero además de su influencia política, el Mayo del 68 plantea un nuevo modo de entender la comunicación gráfica. Los carteles y graffitis del mayo francés son, por ejemplo, el antecedente más directo del Culture Jamming y la publicidad de guerrilla.

Solo por eso, y también por llevar la contraria a Sarkozy, vale la pena recuperar la gráfica de los cartelistas del Atelier Populaire de la Escuela de Bellas Artes de Paris. En aquel lejano mes de mayo, desde el Atelier ocupado por trabajadores y estudiantes, se editaron cerca de 500.000 carteles con casi 400 diseños diferentes.

En junio, las aguas volvieron a su cauce y los estudiantes a sus aulas. Poco a poco, el espíritu del Mayo francés se fue disolviendo y aquellos jóvenes iracundos pasaron a otras cosas. Algunos de ellos terminaron a bordo de un coche oficial.

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“Pixação: São Paulo Signature” es un libro que analiza esta forma de expresión genuinamente brasilera. El pixação es un tipo de pintada que surge en São Paulo en los 60 como forma de protesta política. Su nombre viene del término “piche” (pez o alquitrán en portugués), que es el material empleado para pintar con brocha o rodillo.

El pixação nace en plena dictadura militar. En aquellos años São Paulo, una megalópolis eminentemente industrial, era el núcleo del movimiento sindical brasilero y el pixação su forma de manifestarse contra la represión. Posteriormente, con la apertura política de comienzos de los 80, el pixação fue perdiendo su carácter político, para convertirse en una forma de expresión más personal, vinculada con la cultura del graffiti.


De hecho, es entonces cuando influidos por el graffiti neoyorkino, los pixadores paulistas pasaron a tomar su firma o tag como motivo fundamental de sus pintadas. Esta forma de firma persiste hasta nuestros días.

Los pixaçãos se basan en tipografías angulosas y alargadas, debido a que con frecuencia están realizados con rodillos. Hoy los pixadores plasman sus pixos en cornisas y fachadas, retándose para pintar los lugares mas altos y peligrosos. Llegan a escalar todo tipo de edificios, y a formar enormes torres humanas para llegar a los lugares más complicados.

Lo leí en Perros Callejeros. El libro podéis encontrarlo en Subaquatica.

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No hace ni siquiera un año, Second Life era el nuevo Wonderland. Una Tierra de Promisión en la que los linden $ crecían en los árboles y las oportunidades de negocio estaban al alcance de cualquier avatar. Los medios cantaban sus excelencias sin parar y los mismos gurús que hoy babean por Twitter, entonces lo hacían por SL.

Muchas empresas, atraídas por los cantos de sirena, se lanzaron a este País de las Maravillas. Atravesaron el espejo, invirtieron su dinero y simplemente no consiguieron ningún retorno.

A mí Second Life siempre me pareció un tostón. Un mundo triste y obsesionado por reducir la vida a calderilla electrónica. Muy sórdido. Como buen metaverso, SL trataba de difuminar los límites entre lo real y lo virtual, pero no lo conseguía. Yo, después de muchas horas de Call of Duty, necesito más polígonos para saciar mi adicción. Pero de todo esto, ya hablamos por aquel entonces en Flylosophy. Además, hoy a nadie le interesa SL.

Quizás por eso, cuando he encontrado este vídeo de los chicos de DRAFTFCB, me ha entrado una especie de nostalgía virtual. Justo así fue mi torpe experiencia de avatar.

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Inclusiva-net es una plataforma dedicada a la investigación, documentación y difusión de la teoría de la cultura de las redes. Su foco principal de estudio y documentación se centra en los procesos de inclusión social y cultural de las redes de telecomunicación y sus efectos en el desarrollo de nuevas prácticas artísticas y de producción crítica de conocimiento.

En este segundo encuentro, Inclusiva. net aborda la relación entre lo digital y el espacio físico, como un elemento cada vez más determinante en el desarrollo de nuevas aplicaciones tecnológicas.

Copio el texto de la presentación del encuentro. Es largo, pero interesante:

"De igual forma que los sistemas de comunicación portátiles como los teléfonos móviles o las agendas electrónicas empezaron hace años a incorporar herramientas de registro visual, como cámara fotográfica o de vídeo, hoy son ya habituales en éstos la incorporación de dispositivos GPS capaces de ofrecer coordenadas de geolocalización.

De manera complementaria a este proceso están aconteciendo en la red Internet enormes avances en el desarrollo de aplicaciones relacionadas con el campo de los sistemas de información geográfica, es decir, aquellas orientadas a gestionar información geográficamente referenciada y que funcionan a modo de bases de datos asociadas generalmente a mapas digitales.

Son, por ello, cada vez son más habituales en la web 2.0 las actividades de “geoetiquetado” (“geotagging”) es decir, el asignar coordenadas espaciales o datos relativos a su localización física a archivos determinados, como la georeferenciación de fotografías en plataformas como Flickr, Mappr, Google Earth, etc. o la asignación de identificadores geográficos a textos y frases, incluso a documentos de vídeo y audio. Con lo que la popularización de la acción de “anotar el planeta” es, sin duda, uno de los procesos clave en la evolución de la web actual hacia la conformación de lo que ya muchos denominan la “web geoespacial” (geospatial web). Empieza, incluso, a generalizarse la expresión “Earth as Universal Desktop”.

Obviamente, el deseo de saber más acerca de los espacios geográficos que nos rodean, sobre el lugar en el que habitamos o por el que nos desplazamos así como de las personas que viven o se mueven por ellos, ha encontrado en las tecnologías participativas propias de la web social uno de sus cauces más activos de desarrollo, creándose las bases para lo que podríamos denominar la “web 2.0 local”.

Las prácticas comunicativas abiertas y centradas en la experiencia viva de un lugar que vemos hoy desarrollarse en el periodismo “hiperlocal” y en el “place blogging” (término habitualmente empleado como referencia a los blogs centrados en eventos, noticias y personas en un ámbito local específico como una barriada o una pequeña población) son algunos de los mejores ejemplos posibles para referirnos a este impulso reterritorializador de gran parte de las actuales dinámicas “on line”. La reciente puesta en marcha de algunos agregadores y buscadores de “placeblogs” evidencia la creciente importancia de esta vía de relación y complementariedad entre el espacio comunicativo de las redes y el territorio físico en el que habitamos.

Por otra parte, las prácticas artísticas y experimentales vinculadas a lo que en torno al 2003 empezó a denominarse como “locative media” evidencian una intensa reacción crítica a la deslocalización globalizadora y a la pérdida de todo contexto geográfico y político con la que tradicionalmente se había asociado la experiencia de estar conectado a la red Internet. A través de todo tipo de tecnologías móviles e inalámbricas y de dispositivos informáticos de localización, muchas manifestaciones artísticas tratan hoy de reconfigurar los contextos espaciales físicos de la comunicación y de las interacciones entre las personas.

Mediante estrategias de mapeado, geo-anotación, localización, movilidad espacial o juegos “mixed-reality” muchas propuestas artísticas tratan de reivindicar una nueva convergencia entre el espacio digital de las redes y el territorio, desarrollándose experiencias y nuevas situaciones siempre dependientes de contextos geográficos y sociales determinados, vislumbrándose el cumplimiento de un primer atisbo de lo que quizá podríamos denominar como un nuevo urbanismo digital participativo. "

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Shepard Fairey, más conocido como Obey Giant, grafista, ilustrador y uno de los pioneros del sticker y del stencil, ha decidido pringarse en la campaña demócrata USA y apoyar activamente a Obama.

Muchos verán en este gesto una muestra más del entreguismo, del que ya antes había sido acusado, por sus trabajos comerciales. Obey, a través de Blkmrkt, ha realizado trabajos para Pepsi, Adidas, Real Skateboards, y músicos como Sepultura, Smashing Pumpkins o Chuck D de Public Enemy.

De hecho, Obey siempre ha combinado la iconografía propia de la propaganda política, con el activismo y sus trabajos comerciales. ¿Es posible conciliar el activismo y la denuncia con el diseño comercial? ¿Hasta que punto lo que se combate en una campaña, no se alimenta en la siguiente? ¿Sus trabajos tienen un contenido crítico o se limitan a estetizar el lenguaje de la propaganda política del s. XX?

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La compañía de publicidad exterior Clear Channel Outdoor, acaba de firmar un acuerdo con MT2, para gestionar la publicidad que exhibirán las famosas fachadas luminosas de Picadilly Circus.

Clear Channel ha instalado nuevos soportes de LED’s, que “optimizarán el impacto de lo anunciantes gracias a su definición, la posibilidad de crear animaciones y su perfecta visibilidad incluso con luz de día”.

Sin embargo, la verdadera novedad reside en estos soportes, permitirán a los ciudadanos insertar sus propios mensajes, vía SMS. Cada día, durante diez minutos, las pantallas interrumpen la publicidad habitual para mostrar los mensajes de aquellos que previamente hayan contratado este servicio.

Es una buena ocasión, para que algún anunciante perspicaz, libere, previo pago, este espacio para los ciudadanos. Seguro que por mucho menos de lo que le costaría mostrar su logo, conseguiría hacerse un hueco en el corazoncito de los consumidores.

Si quieres jugar a los mensajes, ver que tal quedaría tu mensaje en el corazón de Londres o, directamente contratar el servicio, visita el sitio de MT2.

Vía Marketing Directo.

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Alcohol and cigarrettes import map.

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Ya está en la Red el nuevo post de Flylosophy: “La ciudad y los signos”. Habla acerca de imagénes y cuidades, pantallas, “media facades” y sobre todo de participación y de interactividad.

Lo mejor de todo, el video que muestra a los niños de Chicago “interactuando” con la Crown Fountain del Chicago Millenium Park, diseñada por Jaume Plensa. ¡¡¡Puro muack!!!.

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Preparando un post para Flylosophy sobre Arquitectura Interactiva, Media Architecture o como queramos llamarlo, me he reencontrado con Blinkenlights, un clásico de 2001, creado por Chaos Computer Club, que a pesar de su aspecto rudimentario y de sus limitaciones técnicas sigue lleno de interés y buen rollo.

Blinkelights convertía las ventanas de la Haus des Lehers en Berlín en pixels, que formanban una enorme pantalla de 8 x 18 ventanas (curiosa resolución ¿no?)

Blikenlights era una propuesta completamente interactiva. Tanto en la versión de 2001, como en su posterior reedición en 2003, Blinkenlights Reloaded, el proyecto se basaba en la participación de los espectadores, que con sus teléfono móvil, podían jugar descomunales partidas de Pong, crear animaciones de baja resolución o hacer enormes declaraciones de amor.

Supermaennchen la animación que encabeza este post, fue creada por un usuario anónimo, con Blinkenpaint, un software abierto y por supuesto gratuito creado por los chicos del CCC.

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Created with Admarket's flickrSLiDR.

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