Vía Popaganda.

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Después de un prolongado silencio, Flylosophy se despide con Mobile Art, un texto de Paloma G. Díaz, en el que se analiza de manera impecable la evolución del Mobile Art, desde sus orígenes en los 60's hasta hoy.

No podía haber mejor manera que esta de cerrar un proyecto como Flylosophy, que siempre trató de ser una plataforma abierta a la investigación y al intercambio de ideas. Desde su número 0, en octubre de 2004, Flylosophy me ha permitido aprender mucho y disfrutar aún más. Este blog no existiría sin Flylosophy y las acaloradas discusiones que antecedían el lanzamiento de cada nuevo "issue". Ahora Gabriel, Jose Luís, Remedios y yo andamos en otros proyectos y creemos que ha llegado el momento de decir adiós... queríamos hacerlo bien y Paloma lo ha hecho genial.

bye Fly...

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En la educación sentimental de mi generación, nunca faltaba alguien dispuesto a explicarte que cuando una chica dice NO, en realidad quiere decir SÍ. Solían ser tipos sórdidos que acumulaban años de represión junto a novias que alimentaban su deseo mediante continuas negativas y que justificaban así su miseria. No obstante, hay que reconocer que a fuerza de calentones, aquella gente había aprendido a distinguir las infinitas modulaciones de un NO.

Aquellos tipos y sus novias me han venido a la cabeza de la mano de NO, Global Tour, la performance que Santiago Sierra ha llevado a ARCO después de recorrer medio mundo. Durante meses he seguido en la distancia el recorrido del NO de Sierra con el escepticismo de aquellos novios salidos. Como ellos, desconfío de los NO demasiado enfáticos, quizás porque intuyo que la verdadera negatividad no suele exhibirse, ni es fotogénica. Ante un verdadero NO, nunca hay lugar a dudas.

En ARCO, el enorme NO de Santiago Sierra, forma parte del mismo espectáculo que aspira a criticar. Es tan evidente que ni siquiera como contradicción resulta inquietante. Es un NO poco creíble a pesar de sus 3 m. de altura o precisamente por ellos. Es un triste NO pero SÍ, o quizás un SÍ pero NO, destinado únicamente a elevar la testorena de coleccionistas y curators.

Etiquetas: ARCO, ARCO 2010, arte, Helga de Alvear, inferno, NO, Santiago Sierra

Jeff Koons ha sido elegido por BMW para intervenir uno de sus coches. Será la pieza número 17 del catálogo BMW Art Car, un proyecto en el que han participado artistas como Alexander Calder, David Hockney, Robert Rauschenberg, Lichtenstein, Warhol, Frank Stella, Olafur Eliasson o Jenny Holzer.

Hace tiempo que Koons había mostrado su interés en participar en esta iniciativa. Es natural, frente a los prejuicios de otros herederos del pop art, el trabajo de Koons siempre ha apostado abiertamente por la banalidad, reconociendo sin complejos su identificación con los lenguajes derivados de la publicidad, el marketing y los medios de comunicación. Hace mucho tiempo declaraba con su claridad habitual:

“Con mi trabajo trato de comunicar con tanta gente como sea posible. Creo completamente en el valor de la Publicidad y los mass media. Desde mi punto de vista la industria de los medios y la cultura popular es mucho más real que el Arte”

En la semana en la que L'Homme qui marche de Alberto Giacometti ha sido vendido en Sotheby´s por 74,2 millones de euros, las palabras de Koons resultan especialmente certeras. Jeff Koons, que fue broker en Wall Street antes que artista, sabe perfectamente que es imposible deslindar el arte contemporáneo del mercado especulativo que lo mantiene. En realidad, son muchos los que lo saben, quizás todos, aunque pocos son capaces de reconocerlo y proclamarlo con la frescura y el desparpajo que derrocha Koons. Siempre guapo, sonriente y luciendo trajes caros.

Lo contaban en Designboom.

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A riesgo de que me odiéis, voy a insistir con otro post virado al sepia y lleno de soldados que miran cuadros. Voy a hablaros de The Monuments Men, un libro de Robert M. Edsel, que narra las vivencias de The Monuments, Fine Arts, and Archives section (MFAA), una fuerza especial formada en 1943 para proteger y restituir los bienes culturales afectados por los combates durante la Segunda Guerra Mundial.

El MFAA, más conocido como The Monument Men, fue un grupo formado por unos 400 hombres y mujeres de trece nacionalidades diferentes, la mayoría de ellos voluntarios. En sus filas, además de militares, había profesores, artistas, curadores, historiadores del arte, arquitectos y restauradores, generalmente vinculados a instituciones culturales americanas y británicas.

Cuando los aliados se abrian paso a través de los territorios europeos ocupados, The Monument Men protegían y reforzaban las estructuras de los monumentos de la zona, tratando de mitigar los daños que pudieran sufrir durante los combates.
Posteriormente se dedicaron a localizar obras de arte y otros bienes culturales robados o desaparecidos. Durante los meses siguientes al final de la guerra, The Monument Men descubrieron algunos de los almacenes secretos en los que el ejército alemán ocultaba obras de arte expoliadas durante la ocupación o que habían sido evacuadas de los museos alemanes para su custodia. The Monument Men supervisó la protección, catalogación y transporte de estas obras, garantizando que fueran devueltas a su lugar de origen. Sólo en Alemania, encontraron aproximadamente 1.500 depósitos de obras de arte.

A mi, como a Marta, esta historia me parece salida de un episodio de Allo, Allo.

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Gracias a Perros Callejeros, descubro The Subconscious Art of Graffiti Removal (2002) un falso documental de Matt McCormick que, con bastante ironía, reflexiona acerca del valor estético de las manchas con las que suelen taparse los graffitis.

En la película, una solemne Miranda July, narra como estas manchas constituyen “uno de los movimientos artísticos más interesantes e importantes del s. XXI”. La idea se argumenta a través de referencias al constructivismo ruso, el minimalismo y el expresionismo abstracto. Incluso se clasifican los métodos empleados por los trabajadores de limpieza para eliminar los graffitis, como diferentes lenguajes derivados de su creatividad subconciente.

The Subconscious Art of Graffiti Removal nos ayuda a repensar cuestiones como la obsesiva persecución al graffiti por parte de las autoridades o la intencionalidad del arte. Pero sobre todo, su retórica evoca las cháchara autocomplaciente que tanto abunda en el mundo del arte contemporáneo.

The Subconscious Art of Graffiti Removal fue premiada en el San Francisco International Film Festival y se proyectó en los festivales de Sundance y Nantucket.

www.rodeofilmco.com.

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Owain Thomas es un estudiante del Royal College of Art. Debe ser una de esas personas admirables que cumplen a rajatabla sus propósitos de año nuevo, ya que el 1 de enero de 2009, decidió que cada día del año publicaría en su blog una pintura que reinterpretaría una de las imágenes publicadas por los periódicos del día y cumplió su compromiso.

Día tras día, Owain nos fue regalando su talento a través de imágenes banales que él transformaba en pequeños tesoros. El pasado 31 de diciembre el proyecto de Owain terminó. Ahora los que seguían su diario se sienten un poco más vacíos.

Me lo contó La Iguana.

Etiquetas: 2.0, arte, imagen, noticias, Owain Thomas, pintura

Retrospectiva de Anish Kapoor en The Royal Academy of Arts. Si pasas por Londres, no te la puedes perder... Hasta el 11 de diciembre.

Etiquetas: arte, escultura, Kapoor, London, Royal Academy

Como cada mes de noviembre, Art Review ha publicado The ArtRewiev Power 100, un listado de las 100 personas más influyentes del circuito artístico internacional. Los seleccionados, entre los que hay artistas, coleccionistas, galeristas y curators son evaluados en función de su actividad durante los últimos doce meses. Para ello, emplean criterios secretos y sofisticados (… casi como los algoritmos de Google)

Respecto de ediciones anteriores, el listado de este año ofrece novedades interesantes. Como que Damien Hirst, líder indiscutible del listado 2008, se vea este año relegado al número 48, lo que ha sido interpretado por algunos como un signo inequívoco del final de su reinado. Pero, aparte de esto, quizás lo más reseñable sea como, frente al tradicional liderazgo de los artistas, este año el protagonismo recae en curators y otras especies afines. De hecho, encabeza la clasificación Hans Ulrich Obrist, curator que dirige la Serpentine Gallery y el primer artista no aparece hasta el décimo puesto (ocupado por el gran Bruce Nauman)

Si obviamos que estas listas tan antipáticas tienen poco que ve con la realidad, las conclusiones que podemos sacar de esta no son demasiado tranquilizadoras. El imparable ascenso de los curators, esa figura a medio camino entre el cura, el marchante y el comisario político, es como para pensárselo. En un libro delicioso llamado “Ecosistema y eclosión de las artes”, Juan Antonio Ramírez definia así a estos tipos oscuros y maquinadores:

“Suele reestructurar museos enteros, o inventárselos de la nada, pero su trabajo habitual consiste en organizar grandes exposiciones. Esto lo hace movilizando ingentes recursos económicos, procedentes de instituciones públicas y privadas. La naturaleza efímera y multitudinaria de los eventos que se inventa, llevan al curator a tratar con políticos, medios de comunicación, banqueros, ejecutivos de diversa especie, etc. Por supuesto, también debe saber algo de arte, pero eso no es tan importante como su hábil dominio de problemas híbridos y complejos.”

Pues eso, que al final terminaremos añorando a Hirst.

Vía Inicios.

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Warhol dixit: "Good business is the best art"... una auténtica declaración de intenciones que sirve a la Tate Modern como leitmotiv para su exposición Pop Life: Art in a Material World, enésima revisión del Pop Art y sus aledaños.

La exposición recupera obras del propio Warhol y de algunos de sus más significados herederos espirituales: Tracey Emin, Keith Haring, Damien Hirst, Martin Kippenberger, Jeff Koons, Takashi Murakami y Richard Prince. Artistas que como el propio Warhol exploran la relación entre arte e imagen mediática y que también como él, cultivan cuidadosamente algo parecido al “personal branding”.
Además de las piezas habituales, la exposición ofrece curiosidades como la reconstrucción de Pop Shop, la tienda que montó Haring en Lafayette St. en los 80´s. Pero sin duda, el plato fuerte de la muestra es la posibilidad de participar en Twins, una obra de Damien Hirst. Para ello no es necesario sumergirse en formol, ni seccionarse ningún miembro. Basta con sentarse junto a tu hermano gemelo (e idéntico) durante cuatro horas ante dos de sus Spot Paintings. A cambio, la Tate paga £ 7,60 por hora (£ 30,40 por cada turno de cuatro horas). Menos de lo que cobra una canguro... A simple vista, no parece un gran negocio.

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Ayer murió Juan Antonio Ramírez, uno de los pensadores que más y mejor ha reflexionado acerca del papel que desempeñan las imágenes en nuestra sociedad. Ferozmente independiente y siempre cercano a los creadores más heterodoxos, su obra destila frescura y lucidez, algo no demasiado frecuente en ambientes académicos y artísticos.

Etiquetas: arte, crítica, Juan Antonio Ramirez., pensamiento, universidad

Clover, 2009 por Billy Rennekamp. Vía VVork.

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"Images - millions of images - that's what I eat"

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Dos hombres malos. Un trabajo sobre la villanía en 21 entregas.

Capítulo 1: Discurso del malvado.

Puedes seguir las 21 entregas en la web de Velvet & Crochet.

Etiquetas: amigos, arte, Dos hombres malos, Fran Winberg, Rafael Suarez, velvet crochet

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Hartos de Arte es una exposición que reflexiona acerca del triste mundo del arte contemporáneo desde el divertido mundo de comic. En ella participan Alvarortega, Ata, Azagra, Manuel Bartual, Calpurnio, Chos, Díaz de Corcuera, Mery Cuesta, Mauro Entrialgo, Igor Fernández, Furillo, Nono Kadáver, Larry, Listo Cómics, Miguel Ángel Martín, Más, Oroz, Santi Orue, Pallarés, Roger, Simónides y Tamayo. Además se muestran trabajos de clásicos como Conti, Coll o Perich.

No puedo resistirme a dejaros aquí un par de páginas del imprescinible Mauro Entrialgo. Sus viñetas destilan la lucidez que tanto se echa de menos entre el artisteo.

Hartos de Arte puede visitarse del 8 de mayo al 18 de junio en la Casa de Cultura Ignacio Aldecoa de Vitoria-Gasteiz. Aquí podéis descargaros el catálogo en pdf.

Vía Contraindicaciones.

Etiquetas: arte, comic, exposiciones, harto de arte

Cindy Sherman muestra en la galería Sprüth Magers de Londres, una de sus inquietantes colecciones de autoretratos en tercera persona. En ellos aparece caracterizada en todas las variantes posibles de la dama de la alta sociedad americana. Desde puritana mentora de causas benéficas, a elegante dama californiana o millonaria texana … incluso en alguna de las imágenes parece una vieja galerista neoyorkina.

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La Más Bella es un proyecto editorial que a través de una revista de formato imposible y soportes tan imaginativos como su BELLAMATIC, impulsa proyectos de arte contemporáneo con vocación experimental y un enfoque bastante alejado del habitual en el mundo de la edición de arte contemporáneo.

En cada nueva edición de La Más Bella, sus editores, Pepe Murciego y Diego Ortiz, invitan a artistas procedentes de los más diversos campos de la creación a realizar un proyecto en torno a un tema y un formato concretos. Los colaboradores aportan su trabajo de forma altruista y La Más Bella asume la producción, financiación y distribución de las obras. Hasta el momento, las ediciones de La Más Bella (la última formada por 15 piezas de artistas de primer nivel) nunca han costado más de 50 euros.

Etiquetas: amigos, arte, Diego Ortiz, edicion, La Mas Bella, Pepe Murciego, proyectos

Bajo el título Un NO por respuesta, el 2 de abril de 2009 se presentará en el Laboratorio 987 de MUSAC un proyecto colectivo en torno a la idea del “No” en sus diferentes vertientes, desde la negación como posicionamiento ideológico, hasta la reflexión acerca del “No” como concepto relacionado con la decepción y el fracaso.

En Un NO por respuesta participan Javier Arce, Menchina Ayuso, Josechu Dávila, Antonio de la Rosa, Joan Morey, Tere Recarens, Riiko Sakkinen, Miguel Ángel Tornero y los diseñadores gráficos Un Mundo Feliz y Aitor Saraiba.

Un NO por respuesta se divide en tres fases: la primera de ellas consiste en la realización, por parte de los nueve artistas invitados de nueve posters que abordarán la idea del “no”, y que articularán la exposición. En la segunda fase, cada dos jueves, los artistas participantes reflexionarán, en una charla, sobre el fracaso y sus experiencias con el “no” desde la práctica artística. Por último, y para cerrar el proyecto, el artista Aitor Saraiba llevará a cabo el 28 de mayo la acción Dibujos Curativos con la colaboración de los asistentes.

Me lo contaron en Un Mundo Feliz.

Etiquetas: arte, Diseño gráfico, exposiciones, Musac, NO

José Luis Viñas nunca ha parecido un artista joven. Durante años, mientras que sus amigos tratábamos de cultivar la actitud insolente propia de los “young artist”, José Luis continuaba peinándose con raya a un lado. Inasequible a las modas, nuestra rebeldía chocaba con aquella raya como contra un muro de hormigón. Tal vez por eso, José Luis siempre ha despertado un cierto recelo entre sus iguales, que por lo general, no saben si va o si viene.

Poco a poco el tiempo ha ido situando a cada uno en su lugar y aquellos artistas adolescentes han sido reconvertidos en esforzados contribuyentes. La insolencia ha dejado paso a una incierta resignación e incluso hay quien, pasado los años ha vuelto a peinarse con raya a un lado. Entre tanto, a José Luis Viñas el tiempo le ha llevado hasta Guardo, una localidad del Norte de Palencia que, tras unos años de vertiginoso desarrollo, sufrió los rigores de la reconversión industrial de los años 80. La próspera ciudad minera se transformó de la noche a la mañana en comarca fantasma.

Etiquetas: arte, exposiciones, Jose Luis Viñas

En Nubes en el horizonte, José Luis Viñas hace un recorrido por los seres que habitan en las nubes, los vientos que exorcizan los campanarios de Castilla, el humo que aflora desde las chimeneas de las fábricas y sobre todo, la tenaz persistencia del gris “verdadero no- color, de neutralidad insostenible que a veces se prolonga en el tiempo como un mal sabor de boca”.

Al final del texto, José Luis nos regala estos versos, escritos por César Vallejo tras el bombardeo de Durango durante la Guerra Civil:

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Descubro vía Perros Callejeros el libro “Available online for free” de Evan Roth, uno de los fundadores de Graffiti Research Lab. El GRL es un un colectivo dedicado a realizar intervenciones en espacios públicos, a través de tecnologías "open source" cercanas al Do it Youself. Sus trabajos aportan algunas de las reflexiones más lúcidas (... y divertidas) que pueden encontrarse en el entorno del Street Art.

“Available online for free” reune una selección de trabajos realizados por Roth entre 2003 y 2008, muchos de los cuales se mostrarán también en la Advanced Minority Gallery de Viena. Se trata de una obra heterógenea que toca áreas como el graffiti, el diseño gráfico, la creación de virales y las más variadas acciones de guerrilla. Su trabajo puede consultarse en Internet introduciendo en el modo "Voy a tener suerte" de Google, esta bonita frase: “bad ass mother fucker” .

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Aunque hace tiempo que la avalancha de street art, stencils y similares consiguió agotarme, cuando encontré los espléndidos albumes de Dimitri DF en Flickr, no fui capaz de resistirme.

En ellos, se muestran stencils, graffitis, stickers, collages y decollages llenos de espontaneidad, sin excesivos resabios, ni grandes pretensiones. Además, con frecuencia aparecen amontonados y tapándose unos a otros, justo como a mi me gustan.

Arriba, más de 200 imágenes de street art recopiladas en México DF y otras ciudades mexicanas. Abajo, una selección de 120 imagenes recogidas por las calles de toda América Latina entre 2003 y 2007. Hay interesantes fragmentos de muros de Argentina, Bolivia, Brasil, Chile, Ecuador, Guatemala, México, Paraguay, Perú...



Más en DimitriDF.

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José Luis Viñas nos regala Retorno al Blanco, un viaje al corazón del invierno y a la implacable geometría de Selene "diosa inconstante y caprichosa de rostro mudable, que infunde en las mentes humanas deseos imposibles, provoca el ladrido de los perros, el aullido de los lobos; seduce a los niños con su fulgor redondo y despierta ansias de escape en algunos hombres diferentes, sensibles, especiales".

Puedes leerlo completo aquí.

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Francis Bacon vivió y trabajó en el 7 de Reece Mews en Londres, desde 1961 hasta su muerte en 1992. Allí se levanta un edificio de aspecto vagamente industrial, adosado en mitad de una hilera de casas semejantes a él. Es una construcción pequeña y anodina que pasa desapercibida en el paisaje londinense.

Al acceder a su interior, una empinada escalera de madera nos conduce hasta una puerta entreabierta completamente embadurnada de pintura. Tras ella, nos aguarda una habitación sumida en el desorden absoluto. Cientos de pinceles y tubos de pintura pisoteados, recortes de periódicos, fotografías arrugadas, latas, botellas vacías de vino, champán y trementina, sprays, ropa hecha jirones, un sinnúmero de rodillos esponjas y toda clase de basura, se amontonan en esta habitación imposible.

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El pasado 28 de enero se presentó en el Museo Patio Herreriano el libro “ Galería Buades. 30 años de arte contemporáneo ”, una publicación que complementa la exposición “ Galería Buades. 1973-2003. 30 años de arte contemporáneo y tantas cosas más ” que tuvo lugar en este museo entre los meses de noviembre de 2007 y febrero de 2008.

Buades fue una de las galerías de referencia en el contexto artístico madrileño de finales de los 70, los 80 y los primeros 90. Con una línea expositiva ecléctica y plural, fue la primera galería que apostó por la neofiguración madrileña a través de pintores como Gordillo, Alcolea, Guillermo Pérez Villalta, Carlos Franco o Manolo Quejido, mostrando también el trabajo de miembros de la nueva abstracción como Broto y Xavier Grau, además del de otros artistas inclasificables e imprescindibles como Nacho Criado, Navarro Baldeweg, Adolfo Schlosser, Eva Lootz o Juan Ugalde.

El libro hace especial hincapié en la intensa labor editorial de Buades, recogiendo una parte importante de los documentos de su archivo. En este sentido es obligado destacar la importancia de "Buades. Periódico de arte", una publicación en la que escribieron críticos de arte entoncés poco conocidos, como Juan Manuel Bonet, Ángel González o Miguel Fernández-Cid, y que contribuyó de modo decisivo a la educación artística (y quizás también sentimental) de por ejemplo, un servidor.

“ Galería Buades. 30 años de arte contemporáneo ” ha sido editado conjuntamente por el Museo Patio Herreriano y la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC), bajo la coordinación del Ministerio de Cultura.

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Los días 5, 6 y 7 de febrero, se celebrará en Barcelona la 5ª edición de The Influencers, un festival artístico que explora formas no convencionales de comunicación. A lo largo de estos años, ha sido definido como galería de proyectos inclasificables, investigación sobre la guerrilla de la comunicación, muestra de ciencia ficción en el presente, y hasta talk show que no se ve en la tele; pero, sobre todo, The Influencers es un laboratorio de ideas: un think-tank que durante tres intensos días se dispone a entrelazar historias de tergiversación, manipulación y transformación de elementos vivos de las culturas contemporáneas.

Este año los proyectos invitados están firmados por: Wu Ming, BLU, Survival Research Laboratories, Swoon, Julius von Bismarck / Fulgurator, Wolfang Staehle y Ztohoven.

Si estás en Barcelona los días 5, 6 y 7 de febrero, no te lo pierdas.

+ información aquí

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Isidoro Valcárcel Medina es, con más de setenta años, uno de los artistas más radicales e independientes que conozco. Con bastante mala leche y sigilo y humor duchampianos, Valcárcel Medina desarrolla desde hace años una obra insólita, llena de inteligencia y completamente ajena a los modos y modas del artisteo contemporáneo.

Su trabajo es siempre preciso. Sin concesiones al espectáculo. Sin adoctrinar. Sin sermonear... Impecable e implacable

Aquí os dejo una entrevista reciente, emitida en el programa Tesis de Canal Sur. La encontré en el Blog del Guerrero, donde también podéis leer más cosas sobre él.

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Flylosophy se despide de 2008 de la mano de Muack. Concretamente, con un post titulado Huevos de Oro en el que hablo acerca de la delgada línea que separa arte y especulación.

En estos tiempos de crisis (no solo financiera), resulta cuando menos curioso, como el mismo día en que Lehman Brothers se declaraba en quiebra, Damien Hirst batía en Sotheby's todos los records de cotización del mercado de arte contemporáneo.

Aquel infausto 15 de septiembre, mientras los consejeros delegados cobraban sus indemnizaciones y reservaban billete para las Islas Caimán, Damien Hirst subastaba su producción de los últimos años. Quizás algunos de esos banqueros, decidieron celebrar la jugada regalándose una pieza de Hirst. En aquella sesión histórica, Damien Hirst se embolsó alrededor de 140 millones de euros…

Huevos de Oro, como es mi costumbre, es tendencioso y parcial. En parte por inclinación natural y en parte por la confianza que da jugar en casa. Como muchos sabéis, Flylosophy, ese blog raro que publica un único post al mes, es mi segundo hogar. Sin él, sin las trifulcas y los desvelos que desde hace cuatro años me viene produciendo, este blog no existiría.

Sirvan por tanto estos Huevos de Oro para agradecerle todo lo que cada día me enseña.

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La nueva campaña de la agencia DDB para el VW Polo BlueMotion consiste en una serie de carteles basados en la obra de René Magritte y Salvador Dalí. En concreto, reinterpretan algunos de los elementos más conocidos de obras como “El hijo del hombre” de Magritte o “La Persistencia de la Memoria” de Dalí.

Los creativos de DDB no han sido demasiado originales. De hecho, esta es la enésima incursión publicitaria en la obra de los surrealistas y muy especialmente en la de Magritte, profusamente explotada en todo tipo de anuncios. Se trata de una presencia recurrente que ha sido estudiada en profundidad en libros como "Ceci n'est pas un Magritte (Essai sur Magritte et la publicité)" de George Roque, en el que se analiza la utilización de los recursos lingüísticos de Magritte en la comunicación persuasiva.

También Marta Mensa, del Departamento de Comunicación Audiovisual y Publicidad de la Universitat Autònoma de Barcelona trató este tema en su tesis "L'altra cara de René Magritte, el Publicista”. En ella analiza la “publicidad magrittiana” a través de más de 6000 anuncios publicados en el suplemento dominical del diario El País entre los años 1995 y 2005.

La vinculación de Magritte con la publicidad es muy profunda. A pesar de que la detestaba, el propio Magritte ejerció como creativo publicitario durante toda su vida. En 1918, con apenas 20 años, creó su primer cartel, un anuncio de sopas Derbaix y continúo aceptando encargos publicitarios hasta los años sesenta. Su último trabajo lo realizó para SABENA en 1966, tan solo unos meses antes de morir. Además entre 1931 y 1936 trabajó con su hermano Paul en la agencia Studio Dongo, situada en el patio trasero de su casa.

Imagino que la predilección de los publicistas por Magritte (casi podríamos hablar de obsesión) está relacionada con la fuerte iconicidad de su obra y con su carácter narrativo. Su vocabulario formal y simbólico (como el de muchos otros surrealistas) favorece una lectura rica y polisémica, pero sencilla. Frente al carácter críptico de buena parte del arte contemporáneo, la obra de los surrealistas es fácil de interpretar.

En el caso de Magritte, además, el impacto que producen en nosotros sus cortocicuitos visuales, hacen que sus imágenes se fijen a fuego en nuestra memoria. Algo a lo que, en nuestra querida economía de la atención, ningun creativo publicitario puede resistirse.

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“The Universe of Keith Haring” es un documental dirigido por Christina Clausen, que narra la vida de Keith Haring, desde su infancia en Pensilvania a su espectacular proyección artística en el Nueva York de los 80's junto a Basquiat y como no, Warhol.

El documental incluye material inédito rescatado de los archivos del artista, así como los testimonios de algunos de sus compañeros y amigos. Entre ellos destacan: Jeffrey Deitch, Fab 5 Freddy, David LaChapelle, Hans Mayer, Samantha McEwen, Carlo McCormick, Yoko Ono, Kenny Sharf, Junior Vásquez, Kay, Karen, Kristen Haring, Madonna, Grace Jones y Tony Shafrazi (el galerista que en el MoMA, atacó con spray el “Guernica” de Picasso).


Veinte años después de su muerte, la figura de Haring es un referente fundamental para entender los aspectos más interesantes de la escena artística de los 80. Al contrario que otros artistas de su generación como Clemente, Cucci o Schnabel , su obra, fresca y radical es cada día más influyente.

Ahora que los medios nos bombardean con las imágenes de Miquel Barceló jugando al paint- ball en Ginebra, reivindicar la figura de Haring es un buen modo de revisar un período en el que hubo propuestas mucho más vivas, interesantes y frescas que el insoportable neoexpresionismo.

Lo leí en Perros Callejeros.

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El Camino Amarillo (pdf) es el primero de los textos publicados por José Luis Viñas en la web de la Asociación Cultural Cruce. En él nos habla de esos locos que ahora, como en la Edad Media, vagan por los caminos y carreteras vestidos con harapos de colores mezclados de manera imposible.

José Luis Viñas lleva ya bastante tiempo retratando a estos personajes. Los locos, los merodeadores, los nómadas son con frecuencia los protagonistas de su obra. Este texto es un buen modo de entrar en contacto con su trabajo. Una obra insólita, llena de intensidad e inteligencia.

El Camino Amarillo

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Lacan definía la pulsión escópica como el irresistible apetito de la mirada característico de la inteligencia humana. El impulso a mirar incluso aquello que sabemos que no deberíamos ver.

Esa pulsión nos construye y nos explica. A través de ella, nuestra mirada proyecta nuestro deseo sobre lo que miramos y, de manera simbólica, lo hace nuestro.

Los fotógrafos conocen bien esta pulsión. Son voyeurs. Ocultos tras el visor de sus cámaras, nos observan con la obstinada intensidad de quien se pega al ojo de la cerradura buscando el brillo rosado de la carne.

Sin duda, Helmut Newton, del que ahora podemos disfrutar una pequeña retrospectiva en La Fábrica Galería, ha sido uno de los mayores y más sabios voyeurs de todos los tiempos. Imitado con desigual fortuna por camadas enteras de fotógrafos, la mirada de Newton recorre a sus modelos, con la sabia minuciosidad de los viejos verdes. Obsesivo y distante fue el primero en evidenciar la enorme fuerza expresiva de las imágenes sucias, mal iluminadas y cargadas de tensión sexual.

En la exposición de Madrid, pueden verse imágenes de distintos momentos de su carrera. Concretamente, se muestran 11 fotolitografías pertenecientes a la serie 'Special Collection', cinco fotografías del porfolio 'Cyberwomen' (2000) y las imágenes 'Parlour Games' (1991), 'Domestic Nude' y 'Teacher and Slave' (1990).

Hoy que todos somos voyeurs, cuando transitamos por un mundo repleto de pantallas y los espejos sin azogue, antes exclusivos de las películas de espías y de los peep–shows se han convertido en parte de nuestro día a día, revisar la lúcida mirada de Newton resulta imprescindible.

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