Arte Salvado


Acaba de inaugurarse Arte Salvado, una interesante exposición que muestra el proceso de salvamento del patrimonio artístico español llevado a cabo por el Gobierno de la República durante la Guerra Civil.

En noviembre de 1936 las bombas que cada noche caían sobre Madrid, alcanzaron al Museo del Prado. No era la primera vez que los bombardeos afectaban a edificios como la Biblioteca Nacional, la Real Academia de Bellas Artes o el Palacio Real. Sin embargo, las nueve bombas incendiarias que cayeron sobre el Prado, fueron determinantes para que el gobierno español se decidiera a evacuar más de 20.000 obras del Museo del Prado, la Real Academia de Bellas Artes, el Monasterio del Escorial y el Palacio Real. Pocos días después, setenta y un camiones cargados con las piezas más importantes del patrimonio cultural español, iniciaban un accidentado viaje que terminaría año y medio después en Ginebra.

Allí, las obras permanecieron bajo la custodia del Comité Internacional para el Salvamento de los Tesoros de Arte Españoles, una institución independiente formada por algunos de los principales museos del mundo. Al terminar la guerra, las obras fueron entregadas al gobierno de Franco. El mismo día que emprendían su viaje de vuelta a España, las tropas alemanas invadían Polonia.

Nunca antes se había desarrollado un proceso de protección del patrimonio artístico semejante a este. Un proceso polémico, lleno de improvisación y de riesgo, pero imprescindible para mantener intacto nuestro patrimonio cultural.
Arte Salvado está instalada en el bulevar central del Paseo del Prado, frente a la entrada de Velázquez del Museo. Permanecerá abierta hasta el 21 de marzo de 2010.

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Hartos de Arte


Hartos de Arte es una exposición que reflexiona acerca del triste mundo del arte contemporáneo desde el divertido mundo de comic. En ella participan Alvarortega, Ata, Azagra, Manuel Bartual, Calpurnio, Chos, Díaz de Corcuera, Mery Cuesta, Mauro Entrialgo, Igor Fernández, Furillo, Nono Kadáver, Larry, Listo Cómics, Miguel Ángel Martín, Más, Oroz, Santi Orue, Pallarés, Roger, Simónides y Tamayo. Además se muestran trabajos de clásicos como Conti, Coll o Perich.

No puedo resistirme a dejaros aquí un par de páginas del imprescinible Mauro Entrialgo. Sus viñetas destilan la lucidez que tanto se echa de menos entre el artisteo.

Hartos de Arte puede visitarse del 8 de mayo al 18 de junio en la Casa de Cultura Ignacio Aldecoa de Vitoria-Gasteiz. Aquí podéis descargaros el catálogo en pdf.

Vía Contraindicaciones.

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Un NO por respuesta


Bajo el título Un NO por respuesta, el 2 de abril de 2009 se presentará en el Laboratorio 987 de MUSAC un proyecto colectivo en torno a la idea del “No” en sus diferentes vertientes, desde la negación como posicionamiento ideológico, hasta la reflexión acerca del “No” como concepto relacionado con la decepción y el fracaso.

En Un NO por respuesta participan Javier Arce, Menchina Ayuso, Josechu Dávila, Antonio de la Rosa, Joan Morey, Tere Recarens, Riiko Sakkinen, Miguel Ángel Tornero y los diseñadores gráficos Un Mundo Feliz y Aitor Saraiba.

Un NO por respuesta se divide en tres fases: la primera de ellas consiste en la realización, por parte de los nueve artistas invitados de nueve posters que abordarán la idea del “no”, y que articularán la exposición. En la segunda fase, cada dos jueves, los artistas participantes reflexionarán, en una charla, sobre el fracaso y sus experiencias con el “no” desde la práctica artística. Por último, y para cerrar el proyecto, el artista Aitor Saraiba llevará a cabo el 28 de mayo la acción Dibujos Curativos con la colaboración de los asistentes.

Me lo contaron en Un Mundo Feliz.

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José Luis Viñas nunca ha parecido un artista joven. Durante años, mientras que sus amigos tratábamos de cultivar la actitud insolente propia de los “young artist”, José Luis continuaba peinándose con raya a un lado. Inasequible a las modas, nuestra rebeldía chocaba con aquella raya como contra un muro de hormigón. Tal vez por eso, José Luis siempre ha despertado un cierto recelo entre sus iguales, que por lo general, no saben si va o si viene.

Poco a poco el tiempo ha ido situando a cada uno en su lugar y aquellos artistas adolescentes han sido reconvertidos en esforzados contribuyentes. La insolencia ha dejado paso a una incierta resignación e incluso hay quien, pasado los años ha vuelto a peinarse con raya a un lado. Entre tanto, a José Luis Viñas el tiempo le ha llevado hasta Guardo, una localidad del Norte de Palencia que, tras unos años de vertiginoso desarrollo, sufrió los rigores de la reconversión industrial de los años 80. La próspera ciudad minera se transformó de la noche a la mañana en comarca fantasma.

Desde ese rincón de Castilla, José Luis Viñas ha iniciado su recorrido por estos espacios cargados de memoria. Entre los hayedos y la tierra helada, ha encontrado un hermoso repertorio de seres perdidos: maquis echados al monte que ahogan su nostalgia en cerveza amarga, novias abandonadas que vagan mecidas por el viento helado, perros filósofos colgados de las ramas de los árboles al terminar la temporada de caza...

Con ellos José Luis construye relatos inestables, frágiles como jaulas de pájaro. Habitaciones y dibujos que recorren su comunidad fantasma con una radicalidad solo al alcance de los resistentes. Paseos por la estepa en que habitamos todos...

José Luis Viñas expone "El otro lado" en el Centro de Arte Joven de la Comunidad de Madrid. Desde el 26 de marzo al 25 de abril en Avenida de América, 13.

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Nostalgia del futuro


Cuando en 1976 Josep Renau regresó a Valencia después de casi cuarenta años de exilio en México y la RDA, lo primero que hizo fue declarar su “nostàlgia de futur”. Como tantos exiliados, Renau tenía la memoria impregnada de nostalgias. Nostalgia de los ausentes, nostalgia de un tiempo en el que todo parecía posible, pero sobre todo, nostalgia del futuro que no pudo construir y que, con seguridad, tampoco podría conocer.

Ahora, esa nostalgia se ha convertido en el argumento de Nostalgia de futuro. Homenaje a Renau (PDF), una exposición organizada por la Comisión Ciudadana del Centenario de Renau en colaboración con el Consorcio de Museos de la Comunidad Valenciana.

León Ferrari, Carmen Calvo, Rafael Canogar, Juan Genovés, Joaquin Michavila, Miquel Navarro, Alberto Corazón, Enric Satué o José María Yturralde son algunos de los 145 artistas que rinden homenaje a Renau con obras realizadas especialmente para la exposición. Junto a ellas se muestran algunos fotomontajes inéditos de Renau, así como una selección de portadas de las revistas Estudios, Futuro y Eulenspiegel, y una serie de fotografías personales de Renau en las tres ciudades que marcaron su biografía: Valencia, México y Berlín Este.

La exposición puede visitarse desde el 4 de Marzo de 2009 hasta el 5 de Abril de 2009 en el Centre del Carme.

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Available online for Free


Descubro vía Perros Callejeros el libro “Available online for free” de Evan Roth, uno de los fundadores de Graffiti Research Lab. El GRL es un un colectivo dedicado a realizar intervenciones en espacios públicos, a través de tecnologías "open source" cercanas al Do it Youself. Sus trabajos aportan algunas de las reflexiones más lúcidas (... y divertidas) que pueden encontrarse en el entorno del Street Art.

“Available online for free” reune una selección de trabajos realizados por Roth entre 2003 y 2008, muchos de los cuales se mostrarán también en la Advanced Minority Gallery de Viena. Se trata de una obra heterógenea que toca áreas como el graffiti, el diseño gráfico, la creación de virales y las más variadas acciones de guerrilla. Su trabajo puede consultarse en Internet introduciendo en el modo "Voy a tener suerte" de Google, esta bonita frase: “bad ass mother fucker” .

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Netescopio. Net Art 0.1


Armed Citizen. Daniel García Andujar. 1998.

Netescopio es un proyecto del MEIAC que consiste en la creación de un archivo on line que trata de preservar y difundir piezas artísticas creadas específicamente para la red. Se trata de un archivo abierto, al que los usuarios podemos proponer las piezas que cosideremos adecuadas y que se desarrollará de manera permanente.

Como fase inicial de este proyecto, el MEIAC presenta la exposición Desmontajes. Net Art 0.1, una interesante selección de algunas de las primeras obras de Net Art. La muestra se articula en torno a las secciones: Desmontado INTERFACES, Desmontando ESTEREOTIPOS, Desmontando NARRACIONES, Desmontando LO COTIDIANO y Desmontando EL SISTEMA DEL ARTE. Entre otros, se incluyen trabajos de artistas como Alexei Shulgin, Vuk Cosic, Daniel García Andujar, 0100101110101101.org, Santiago Ortiz, Olia Lialina o Marcelí Antúnez.

Se trata de piezas pioneras, que en su momento exploraron los límites de un medio todavía desconocido. Para ello, tratan cuestiones como la interactividad, el empleo de interfaces y navegadores alternativos, el uso táctico de la Red y otras estrategias que definieron la evolución del Net Art.

Hoy en pleno éxtasis 2.0 resulta especialmente oportuno revisar estos trabajos y analizar el modo en el interpretan la hipermedia. Su definición radical de los aspectos más esenciales de Internet es un ejercicio de rigor y una saludable vuelta a los orígenes.

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Helmut Newton en La Fabrica


Ciberwoman 2
Lacan definía la pulsión escópica como el irresistible apetito de la mirada característico de la inteligencia humana. El impulso a mirar incluso aquello que sabemos que no deberíamos ver.

Esa pulsión nos construye y nos explica. A través de ella, nuestra mirada proyecta nuestro deseo sobre lo que miramos y, de manera simbólica, lo hace nuestro.

Los fotógrafos conocen bien esta pulsión. Son voyeurs. Ocultos tras el visor de sus cámaras, nos observan con la obstinada intensidad de quien se pega al ojo de la cerradura buscando el brillo rosado de la carne.

Fiona Lewis in Los Angeles
Sin duda, Helmut Newton, del que ahora podemos disfrutar una pequeña retrospectiva en La Fábrica Galería, ha sido uno de los mayores y más sabios voyeurs de todos los tiempos. Imitado con desigual fortuna por camadas enteras de fotógrafos, la mirada de Newton recorre a sus modelos, con la sabia minuciosidad de los viejos verdes. Obsesivo y distante fue el primero en evidenciar la enorme fuerza expresiva de las imágenes sucias, mal iluminadas y cargadas de tensión sexual.

En la exposición de Madrid, pueden verse imágenes de distintos momentos de su carrera. Concretamente, se muestran 11 fotolitografías pertenecientes a la serie 'Special Collection', cinco fotografías del porfolio 'Cyberwomen' (2000) y las imágenes 'Parlour Games' (1991), 'Domestic Nude' y 'Teacher and Slave' (1990).

Domestic nude
Hoy que todos somos voyeurs, cuando transitamos por un mundo repleto de pantallas y los espejos sin azogue, antes exclusivos de las películas de espías y de los peep–shows se han convertido en parte de nuestro día a día, revisar la lúcida mirada de Newton resulta imprescindible.

En La Fábrica Galeria, desde el 3o de octubre hasta el 29 de noviembre de 2008.

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Jeff Koons en Versalles


El 16 de Octubre de 1793, Jacques-Louis David retrató a Maria Antonieta sentada en el cadalso esperando el momento de ser ajusticiada. El dibujo muestra a una mujer vencida, casi una anciana, que poco tiene que ver con la joven cortesana que escandalizó Versalles.

No hay en esas líneas el menor atisbo de piedad. Son trazos que carecen de la elegancia de las grandes pinturas de David. Sin embargo, ese dibujo retrata mejor que muchos de sus lienzos el momento en el que se clausura una época y nace un tiempo nuevo. Un tiempo rígido y moralista, en el que lo visual solo se justifica como propaganda de los valores burgueses, como vehículo para el edificante mensaje republicano.

María Antonieta camino de la guillotina. Jacques-Louis David, 1793

Hoy Jeff Koons expone en Versalles. En las salas que vieron el esplendor y la decadencia de la corte de Luis XVI se agolpan enormes globos de aluminio, figuras cromadas y aspiradores Hoover. Unas flores de porcelana descansan junto al lecho de Maria Antonieta y en el Salón de Venús, Michael Jackson juguetea con el chimpancé Bubbles.

Las piezas de Koons encajan en el Palacio con una naturalidad asombrosa. Versalles es su medio natural. De hecho, gracias a esta exposición Koons, consigue cumplir su anhelo de convertirse en artista rococó, en una especie de Fragonard postmoderno.

En Versalles, Koons se convierte en el pintor de cámara de una corte en la que Sarko es Luis XVI (aunque el se crea Napoleón) y Carla Bruni una Maria Antonieta hermosa y arrasada…

Mientras, al caer la noche, en los suburbios de las ciudades francesas los nuevos jacobinos queman los coches que encuentran a su paso.

Fotos vía LAMJC.

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USA Today



El 20 de septiembre se inaugura "USA Today. Una aproximación al arte norteamericano del Siglo XXI". Se trata de una exposición organizada por Contemporánea en la que se explora el trabajo más reciente de algunos de los artistas norteamericanos surgidos en la cultura urbana alternativa vinculada al skateboard, el graffiti, el punk y el hip hop.

Podrán verse trabajos de Obey, Larry Clark, Fernando Elvira, Tommy Guerrero, Evan Hecox, Ben Horton, Andy Howell, Spike Jonze, Barry McGee y Mike Mills entre otros.

Además, la exposición se completa con la instalación "Miscelánea" en la que se muestran diferentes productos creados por algunos de ellos para marcas como Adidas, Vans, Marc Jacobs, Nike o Calvin Klein. De hecho, la implicación de estos artistas con marcas comerciales, constituye uno de los aspectos más controvertidos e interesantes de su trabajo.

USA Today está realizada en colaboración con el Artists Network Program de RVCA y está comisariada por Mario y Alex Martín.

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La sirena dorada


Siren es un retrato de oro macizo de Katte Moss que se mostrará a partir de octubre en el British Museum de Londres. Como la verdadera Kate, la escultura pesa 50 kg. Es la mayor escultura de oro macizo construida desde el Antiguo Egipto.

La escultura es obra de Marc Quinn, uno de los “Young British Artist” que se dieron a conocer a finales de los 90 en “Sensation”. Anteriormente, Quinn ya había dedicado a Kate Moss trabajos como 'Sphinx', una serie de retratos en bronce de la modelo en diferentes posturas de yoga. En Muack hablamos de ello .

A mi, pensar en semejante montón de oro me da un poco de dentera, aunque a decir verdad, también la Kate Moss de carne y hueso me da bastante repelús.
¿Es qué ya nadie recuerda el maravilloso Arte Povera?

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Kara Walker: The Black Road




Kapuscinski analizaba en algunos de sus libros como los siglos de esclavitud han influido en la mentalidad africana. Hasta donde alcanza la memoria, generación tras generación, el África negra ha visto como los más capaces, aquellos que hubieran podido recolectar toda su riqueza, eran secuestrados y convertidos en mercancía.

Según Kapuscinski, a fuerza de humillación, los africanos han modelado un espíritu arrasado, que asume las desgracias con indolencia y acumula un odio antiguo y brutal. La crueldad con la que en África estallan los conflictos étnicos y sociales, seguramente tiene mucho que ver con ese odio acumulado a través de generaciones.

Esta mezcla de sentimientos es la materia de trabajo de Kara Walter, una artista afroamericana que durante este verano (en realidad hasta hoy mismo) ha presentado en el CAC Málaga, The Black Road, una instalación en la que mediante sus características siluetas recortadas y pegadas a la pared, traslada la vivencia de la explotación ligada al sexo y la violencia de quienes llegaron a América en las bodegas de los barcos negreros.

Según Fernándo Francés, director del CAC Málaga, “a simple vista las creaciones de Walker pueden parecer inocentes, pero nada más lejos de la realidad, ya que sus recortes narran historias brutales cargadas de ironía”.

... Historias de esclavitud que aún ocurren cada día.

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Mundibujado


Con motivo del III Foro Social Mundial de las Migraciones, que se celebrará en Rivas Vaciamadrid, durante los días 11, 12 y 13 de septiembre de 2008, la asociación de artistas DUEÑOSDELANADA organiza MUNDIBUJADO, una propuesta de arte postal basada en la intervención creativa sobre el Mapa de Peters. La Proyección de Peters corrige las desproporciones de la Proyección de Mercator, muy falseada y descaradamente "eurocentrista".

MUNDIBUJADO está abierto a la participación de todos aquellos que deseen enviar sus intervenciones. Para hacerlo basta con descargar la imagen del Mapa de Peters desde la web de MUNDIBUJADO, realizar una intervención artística sobre ella (dibujo, color, foto, grafismo, texto, etc.) y enviarla a mundibujado@gmail.com.

Con todos los trabajos recibidos, se montará una exposición que podrá visitarse del 4 al 15 de septiembre de 2008 en el Centro Cultural Federico García Lorca, de Rivas Vaciamadrid.

Todos los participantes recibirán documentación sobre la exposición. Si necesitáis inspiración os recomiendo echar un vistazo al impresionante Worldmapper.

DUEÑOSDELANADA son Azucena Calderón, Pedro Laosa y Pepe Murciego.

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Porno en las pantallas de Time Square


Malcom McLaren, el hombre que consiguió hacer de los Sex Pistols un negocio rentable, muestra su proyecto de vídeo Shallow (PDF) en la pantalla gigante de la MTV en Times Square.

La propuesta de McLaren consiste en una serie de 21 "musical paintings". Todas ellas parten de fragmentos de películas porno de los años 70 que han sido montados suprimiendo aquellas partes en las sus protagonistas muestran sus “private parts”. Se trata de eliminar los aspectos más explícitos de estas películas, para poner de manifiesto como, aunque el sexo no se ve, sigue presente en cada mirada y en cada gesto.

Las imágenes están remezcladas con canciones de Joy Division, Captain& Tennille y otros grupos de la época. Quiénes pasean por la zona pueden escucharlas en su móvil. Os dejo uno de los vídeos para que os hagáis una idea.


La pantalla gigante de la MTV, situada entre las calles 44 y 45, es una de las mayores de Times Square. Está situada en el corazón de la zona que, hasta mediados de los ochenta, era conocida como el Circo de Satán o Tenderloin (Bistec), en clara alusión a la rosada carnalidad que emanaba de las pantallas de los cines X y los Peep Show de la zona. De hecho, en aquella época, el barrio entero era conocido como Tenderloin District.

Con la llegada de Giuliani, la zona se transformó. El alcalde inició un sistemático proceso de limpieza, que con frecuencia escondía bajo la alfombra la basura de las calles. Las prostitutas y los yonkis fueron expulsados a zonas menos visibles y el Tenderloin se llenó de franquicias amables. Los neoyorkinos llamaron a este proceso Disneyfication.

En aquellos años bizarros, grupos feministas desfilaban por Times Square reclamando el fin de la pornografia. Hoy a pesar de que la "Disneyfication" es total , el porno está más presente que nunca en nuestra sociedad y aquellas películas resultan candorosas, casi románticas, en comparación con las actuales. Durante la presentación de su proyecto, McLaren hablaba de ello : "En las viejas películas había muchos más juegos preliminares. Me interesaba el lenguaje corporal de los no-actores, cómo comunicaban su deseo".

En un entorno políticamente correcto y sin tiempo para preliminares, el proyecto de McLaren recrea la memoria de aquellos años oscuros, rastreando el deseo, el miedo, la humedad y los gemidos que todavía perviven en el seco corazón de Disneylandia.

Me lo contaron en Super Touch.

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Buckminster Fuller: Starting with the Universe


Hasta el 21 de septiembre el Whitney Museum muestra la exposición Starting with the Universe, una retropectiva de la obra de Buckminster Fuller.

Fuller fue inventor, arquitecto, ingeniero, matemático, poeta, cosmólogo, profesor en la Southern Illinois University Carbondale, autor de 28 libros y sobre todo un personaje excéntrico y optimista convencido de la capacidad de la tecnología para transformar el mundo.

A él se debe el desarrollo en 1949 de la cúpula geodésica. Durante su presetación, para probar su resistencia, el propio Fuller y sus estudiantes se colgaron de aquella primera cúpula ante la mirada atónita de las autoridades universitarias. El gobierno estadounidense percibió el interés del invento y en poco tiempo plantó miles de estas cúpulas en instalaciones militares y edificios civiles de todo el mundo.

Fiel a su espíritu visionario, Fuller desarrolló también numerosos proyectos imposibles como Triton City, una enorme ciudad flotante, Cloud Nine, ciudades esféricas que levitan en el cielo o la colosal cúpula acristalada de dos millas de diámetro que protegería el corazón de la isla de Manhattan de los efectos de la intemperie.

En los últimos años de su vida Fuller consiguió bastante notoriedad pública. Sin embargo, eso no evitó que muchos criticaran su ingenuidad y su optimismo irremediable. Sus análisis sociales, tan utópicos como sus proyectos arquitectónicos, chocaron sistematicamente con la realidad. Como cuando en 1959, predijo en Newsweek que gracias a la tecnología, en el año 2000 habría desaparecido el hambre en el mundo.

Algunos de sus alumnos le llamaban Fuckminster Buller.

Lo leí en Efímera.

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bye, bye Banksy...




Acaban de colgar en Youtube el vídeo oficial de The Cans Festival, el evento organizado por Banksy, que congregó el pasado mayo a lo más florido del stencil internacional y a más de 25.000 visitantes. Durante tres días, litros y litros de pintura transformaron un lúgubre túnel abandonado en un inmenso y colorido mural.

Este vídeo es una muestra más de como, a través de acontecimientos como The Cans Festival y sobre todo de Street Art, la exposición de la Tate Modern, el Street Art se ha puesto de moda y se ha plantado en la primera línea mediática.

Parece evidente que cuando un modo de expresión nacido en la calle, más o menos anónimo y más o menos clandestino, es avalado por instituciones como la Tate Modern, se convierte en otra cosa. Se desactiva. De hecho, los bonitos murales de la Tate Modern son custodiados por las mismas cámaras de seguridad que impiden a otros grafiteros intervenir sobre ellos.

La dimensión estética del Street Art tiene menos que ver con lo formal que con su modo de llamar a una cierta forma de resistencia icónica. Lo mejor del Street Art es su capacidad para infiltrarse entre los signos que nos rodean, para aprovechar las fisuras del sistema para extenderse. Nada de eso está en la Tate.

En el caso del stencil esto resulta especialmente evidente. La plantilla de la que nace, solo tiene sentido como soporte de una imagen que se repite una y otra vez. Cuando el stencil trata de convertirse en una imagen única, como hace Banksy, se desnaturaliza. Y aún lo hace más cuando transmite un mensaje efectista, sentimental, estereotipado...

Algo parecido ocurre en relación a los murales que adornan la Tate. Las propias imágenes que muestran y su enorme escala encajan perfectamente en el espectáculo icónico que definió Guy Debord. Así, paradójicamente, formas de expresión que nacieron como una forma de resistencia frente al espectáculo, sirven ahora para retroalimentarlo.

En fin, que parece que ciertas formas de Street Art, comienzan a dar muestras de agotamiento y estetización. Y Banksy es su bandera.

PD: Al margen de Street Art, en el vídeo suena el espléndido Going Underground ... No me resisto a dejaros el original de los Jam. ¡Pura Vida!



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Olafur Eliasson: La naturaleza de las cosas


Del 20 de junio al 28 de septiembre, la Fundación Joan Miró muestra La naturaleza de las cosas, una retrospectiva del trabajo de Olafur Eliasson.

Hace muy poquito hablé largamente acerca del trabajo de Eliasson, así que no me enrollaré más. Si estos días estás en Barna, no me lo perdería...

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Aquí os dejo otra colección de proyectos de fin de curso. En este caso se trata de los que han realizado los alumnos de Product Design de Central St. Martins en Londres. En la web de la Escuela se pueden ver también trabajos de muchas otras disciplinas.

Tampoco están nada mal las propuestas de sus compañeros del London College of Communiations. Igual que el caso de Central St. Martins, la web de la Universidad dedica bastante espacio a mostrar los trabajos de los alumnos, que además son estupendos.

Parece evidente que dar protagonismo a los alumnos y sus proyectos, además de resultar pedagógico, es la mejor estrategía de marketing posible para aquellas universidades que quieren captar nuevos estudiantes.

Los trabajos de los alumnos son la mejor tarjeta de presentación, de una universidad. Aportan la transparencia que hoy reclaman los consumidores a cualquier marca. En estos tiempos de globalización y spaguetti boloñesa, los discursos del rector, las conferencias en los cursos de verano y los spot en la tele, empiezan a contar menos que la posibilidad de ver estos proyectos en Flickr.

La universidad española todavía no parece consciente de esto. Muy al contrario, demasiadas veces parece enrocada en aquella frase (tan española...) de un ilustrísimo rector de Salamanca: ¡¡¡Qué inventen ellos!!!

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Art Basel... con dos pelotas


La semana pasada se celebró Art Basel , la que muchos consideran la feria de arte contemporáneo más importante del mundo. Su prestigio se debe tanto a su capacidad para convocar a las galerías de relumbrón, como, sobre todo, a la enorme cantidad de dinero que mueve. Cada año, durante una semana, Basilea se llena de jets privados y de coleccionistas con ganas de gastar.

Desde el punto de vista artístico, Art Basel nunca ha destacado por el riesgo de sus propuestas. Fiel al espíritu “Made in Swiss”, el peso de la feria suele recaer en los clásicos del arte moderno y contemporáneo. Este año quienes estuvieron allí hablan de un renovado interés por la escultura, reflejo de un retorno a lo concreto y lo tangible y de la definitiva irrupción de los artistas rusos, chinos y árabes.

Pero, en realidad, el verdadero balance de la feria tiene más que ver con la cuenta de resultados y con la espléndida salud que muestra el mercado del arte en plena crisis económica… Todo un dato, que pide a gritos un análisis político y económico, que yo, simple y tendencioso blogger, no haré.

Además de todo esto, este año en Art Basel pudo visitarse Art of Football, la exposición que muestra los 11 trabajos seleccionados por Nike en 1/1, una campaña a la que me referí hace unos días. Como os comenté entonces, 1/1 invitaba a los artistas del todo el mundo (y también a los no artistas) a enviar pinturas, esculturas, fotografías, instalaciones, vídeos... inspirados en el mundo del fútbol. Puro art-vertising. En total se recibieron más de 1500 propuestas.

Vale la pena revisar estos trabajos, sobre todo, teniendo en cuenta la poca difusión que han tenido. Es curioso como, después de realizar un importante esfuerzo para promocionar 1/1, con campaña de buzz marketing en blogs incluida, Nike no ha cerrado el círculo de su propuesta dando más importancia a la comunicación de los trabajos seleccionados. Imagino que tiene que ver con la desproporción, tan propia del arte contemporáneo, entre prestigio y presencia visual. Es díficil, sacar pecho ante las masas futboleras, mostrando trabajos de arte contemporáneo.

En cualquier caso, se trata de una iniciativa interesante e infinitamente más rica que los horribles futbolistas gigantes de Adidas.

Os dejo fotos de algunos de los trabajos seleccionados. Las he encontrado en UrbanCamou y en 1/1.

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Sigo el trabajo de Olaffur Eliasson desde que visité Funcionamiento Silencioso, el montaje que realizó en 2003 en el Palacio de Cristal del Parque del Retiro de Madrid. Era la primera vez que me enfrentaba en directo a su trabajo y desde entonces me ganó para su causa.

Funcionamiento Silencioso era un extrañísimo jardín interior (la crítica lo calificó de utópico) construido con luz, lava, agua, ventiladores y algunos artefactos reflectantes. En él, como en la mayor parte de la obra de Eliasson, estos elementos interaccionaban transformado la arquitectura del Palacio de Cristal en un paisaje completamente nuevo. Sereno, inquietante, alegre… literalmente me sentí transportado a otro planeta.


Ahora Olaffur Eliasson muestra en el PS1 Contemporary Art Center de Nueva York, “Take your time”, una muestra antológica de su trabajo, que antes pudo verse en el San Francisco Museum of Modern Art.

En la web del MoMA puede hacerse un interesante recorrido virtual de la exposición, en el que además de imágenes de las diferentes piezas, se ofrecen videos en los que Eliasson habla acerca de su trabajo.

También en Nueva York, Eliasson prepara The New York City Waterfalls, un impresionante proyecto de arte público (demasiado impresionante para mi gusto…) que situará en Manhattan, Brooklyn y Governor’s Island 4 cataratas artificiales. The New York City Waterfalls se inaugurará en julio. Remedios habló de este trabajo, largo y tendido.

Precisamente esta tendencia hacía la monumentalidad, es el aspecto que me resulta menos interesante del trabajo de Eliasson. Su obra está recorrida por una vertiente "sublime"especialmente evidente en sus proyectos a gran (grandísima) escala. Desde mi punto de vista, es el caso de las propias Waterfalls o el famoso Weather Project de la Tate Modern. En esos trabajos Eliasson parece querer disfrazarse de Friedrich contemporáneo, ampuloso y un poco pasado de vueltas.


En España pronto tendremos ocasión de acercarnos al trabajo de Eliasson. la Fundació Joan Miró y la Fundació Caixa Girona presentarán en junio La naturaleza de las cosas. Esta muestra reunirá unas 50 obras de Eliasson, creadas entre 1993 y la actualidad, incluyendo algunos trabajos creados expresamente para la exposición.


La muestra se dividirá en dos partes: en Girona, en las salas del Centre Cultural Caixa Girona–Fontana d’Or, Eliasson presenta obras con luz, de pequeño formato, y un conjunto de series fotográficas y grabados basados en el paisaje de Islandia.

En la Fundació Joan Miró se mostrarán instalaciones que abordan la percepción del color y la luz, el recorrido por los espacios y la “naturaleza de las cosas” a través de la experimentación física.

La naturaleza de las cosas podrá visitarse del 20 de junio hasta el 28 de septiembre.

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George Lois y las portadas de Esquire



George Lois: The Esquire Covers, es una exposición organizada por el MoMA que muestra 32 de las 92 portadas que George Lois hizo para la revista Esquire ente 1962 y 1972.


George Lois, el enfant terrible del mundo publicitario, irrumpió en la escena norteamericana durante la "Revolución Creativa" a fines de los cincuenta y los sesenta, un período en el que se definieron las relaciones entre creatividad, marketing y publicidad, además de muchas de las convenciones iconográficas que hoy disfrutamos y parecemos en los medios de comunicación.

A través de sus portadas en Esquire, Lois transformó radicalmente el tratamiento gráfico de las publicaciones impresas. Por primera, en las portadas de Lois para Esquire, la imagen deja de ser entendida como el apoyo del texto, adquiriendo un protagonismo total basado en una gráfica concisa y conceptualmente muy potente.


Lois fue además uno de los primeros en explorar la capacidad de los medios de comunicación para estimular y provocar el debate público. Sus portadas fueron con frecuencia el vehículo a través del cual los estadounidenses se enfrentaron a cuestiones como el racismo, el feminismo o la guerra de Vietnam.

En la web de Esquire se muestran todas las portadas de la revista, desde 1933 hasta hoy. La exposición del MoMA puede visitarse hasta el 31 de marzo de 2009. Puede verse un vídeo de la expo en Soitu.

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iGoogle Art Themes


Hace algo más de un año, Google presentó iGoogle, su página de inicio personalizada. Con ella trataba de competir con sitios como Netvibes y Windows Live o los menos conocidos Etamp, Pageflakes, Bookmarkshome o Eskobo.

El objetivo de iGoogle era convertirse en el espacio desde el que el usuario gestiona sus contenidos sociales. Una especie de Facebook, sin salir de la gran familia Google. Con esta filosofía, iGoogle ha ido creciendo mediante opciones que permiten su personalización mediante temas , la utilización de miles de gadgets (desde lectores de feeds a cualquier cosa imaginable) y sobre todo el desarrollo de gadgets colaborativos mediante plantillas, que nos permiten crearlos y compartirlos fácilmente.

Actualmente, gracias a la pasta invertida, a su imponente imagen de marca y a su carácter colaborativo, iGoogle se ha convertido en la página de inicio favorita de muchos usuarios, desplazando casi completamente a su competencia. Como a Google le gusta…

La última aportación a iGoogle es iGoogle Art Themes, una serie de temas para personalizarlo creados por más de 70 diseñadores y artistas. Jeff Koons, John Maeda, Shepard Fairey o Philippe Starck son algunos de los elegidos por Google para crear las plantillas más “arty” de la red.

Aunque iGoogle Art Themes aporta poco desde el punto de vista de la funcionalidad, resulta muy revelador desde el punto de vista estético. Que Google considere la obra de Koons o Maeda suficientemente popular como para ofrecérsela a sus usuarios, es un dato interesante.

Como también lo es la enorme cantidad de artistas orientales (sobre todo japoneses) que figuran entre los creadores seleccionados para iGoogle Art Themes o que se presentara en Japón antes que en el resto del mundo. Algo que, afinidades estéticas aparte, también puede estar relacionado con la voluntad de Google de posicionarse en una zona en la que todavía puede crecer bastante.

Los originales empleados para la creación de los temas, pueden verse en el Artist iGoogle Museum de ZozoResort. En EEUU, para dar a conocer el proyecto, las creaciones de los 70 artitas se proyectaron durante tres noches sobre algunos edificios de NYC.

Lo leí en Nitrolicious.

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Los falsos duchamps de Marcel Duchamp


Hasta el 26 de mayo la Tate Modern presenta “Duchamp, Man Ray, Picabia. The moment art chaged forever”, enésima revisión de la obra de tres de los artistas que más han influido en nuestro modo de mirar.

La exposición es también la ocasión perfecta para que, una vez más, críticos y enterados del mundo entero coloquen su discurso acerca de Duchamp y peregrinen en masa hasta la mítica Fountain, convertida en símbolo de la muestra.

Sin embargo, quienes se acerquen hasta la Tate Modern para contemplarla se encontrarán con una réplica. Como siempre que Duchamp entra en escena, nada es lo que parece.

En realidad, la Fountain original desapareció casi inmediatamente después de su exhibición en 1917. De hecho, parece que una vez cumplió con su finalidad artística pudo ir a parar a un basurero o ser devuelta a su función original (obviamente, urinario).

La réplica de Londres no es la única existente. En 1951, Duchamp realizó la primera reproducción del original perdido, algo tosca y que ahora exhibe el Museo de Arte de Filadelfia. Más tarde, en 1964, movido por la necesidad de dinero, Duchamp autorizó ocho réplicas más, una de las cuales fue comprada por la Tate en el año 2000.

¿Es Duchamp el falsificador de sí mismo? ¿Son nueve réplicas de un ready made perdido, la máxima expresión del ready made o una tomadura de pelo? No creo que a Duchamp, todo esto le preocupara demasiado. De hecho, nada, incluido el propio arte, parecía importarle demasiado: "Me parece que soy un agnóstico en arte. Sucede que no creo en él con todos sus accesorios místicos. Como droga es probable que le sirva a algunas personas, pero como religión no es tan bueno como Dios".

Los amantes de la indiferencia duchampiana pueden disfrutar de ella en “Conversaciones con Marcel Duchamp", el libro que recoge sus conversaciones con Pierre Cabanne.
También hablan de ello en Replica 21, un site mexicano muy, muy interesante.

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Víctima es una impresionante escultura de Democracia realizada en oro. Está instalada en el hall del Parlamento Vasco con motivo de la exposición 'Biktimak-Víctimas'.

Lo leí en Contraindicaciones.

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Street Art en la Tate Modern


Del 23 de Mayo al 25 de Agosto la Tate Modern mostrará la exposición Street Art. En ella, un ecléctico grupo de artistas, que han trabajado entre la calle y la galería, crearán sus obras en la fachada de la Tate Modern con vistas al río Támesis.

Se mostraran los trabajos: Blu (Bologna, Italia), el colectivo Faile (Nueva York); JR (Paris), Nunca & Os Gemeos (Sao Paulo, Brasil) y Sixeart (Barcelona).

¿Son las paredes de un museo como la Tate el lugar más adecuado para mostrar obras de Street Art? ¿Son los museos y las galerías el entorno propio de estas obras?
La muestra está patrocinada por Nissan.

Lo he leído en Perros Callejeros.

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© MURAKAMI



Descubrí a Murakami gracias a Hiropon, una muñeca manga, de pelo rosa y escueto bikini, que presiona sus enormes tetas para regalarnos un potente chorro de leche materna.

La pieza ilustraba la portada del catálogo de una sesión de subastas de Christie’s en la primavera de 2002 y reconozco que me impresionó. Pero aun más que Hiropon y sus atributos, me impresionaron las letras doradas que la acompañaban, y que llenas de solemnidad decían:


CHRISTIE’S
New York

La tarde de la subasta, Hiropon no defraudó a sus admiradores. Con su cara de no haber roto un plato y sus descomunales tetas, fue vendida por $427500.

Muchos ven a Takashi Murakami como el “Warhol japonés”. De hecho, como Warhol, Mukarami creó en 1996 su propia fábrica, Hiropon Factory, que más tarde transformaría en Kaikai Kiki Co., Ltd. compañía a través de la cual centraliza su producción y en la que se combinan las piezas artísticas con la producción y el diseño de productos tan variados como vinyl toys, películas anime o el Nissan Pivo.

Murakami es además el padre de Superflat, un concepto plástico que cuestiona los tópicos de la cultura otaku y trata de evidenciar la superficialidad emocional de la sociedad japonesa. En una entrevista en 2000 decía:

"Mi arte expresa la desesperanza... Aunque parece positivo y alegre, dudo de como es interpretado en la escena del arte contemporáneo. Mi arte no Pop art. Es el reflejo de la lucha de la gente discriminada."

Para ello, Murakami combina no solo la estética asociada a la cultura popular japonesa, sino también algunas de las convenciones formales más características de la tradición gráfica japonesa, ukiyo-e incluido.

Ahora, Murakami acaba de inaugurar en el Brooklyn Museum la exposición retrospectiva © MURAKAMI, que anteriormente pudo verse en el MOCA de Los Ángeles y en 2009 llegará al Guggenheim de Bilbao. En la exposición además de 90 trabajos de Murakami, algunos muy espectaculares, se ha instalado una tienda Louis Vuitton en la que pueden comprarse los bolsos y complementos que Murakami ha diseñado para esta marca (algo que también ha hecho Richard Prince).

Ante la airada reacción de quienes consideran esto como una escandalosa mercantilización del arte, Murakami ha dicho: “La tienda no es parte de la exposición, es el corazón de la exposición. En ella converge el concepto de readymade. El proyecto Louis Vuitton abre las puertas de un mundo nuevo”.

Mientras, en el espacio Louis Vuitton de Omotesando , se forman colas de fashion victims ansiosos por acceder a la obra del nuevo Hokusai y en España, la revista ¡Hola! dedica un reportaje lleno de fotos a la inauguración de NY.

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